Robert Crumb im Museum Ludwig, Köln

„Herr Crumb, warum tun sie sich das eigentlich an?“. So oder ähnlich hätte die abschließende Frage bei der Podiumsdiskussion im Museum Ludwig lauten können. Am Dienstagabend fand sich nach der Eröffnung seiner Ausstellung am 27. Juni der Comic-Künstler Robert Crumb ein zweites mal in Köln ein, um sich den Fragen des Kurators Alfred M. Fischer, des Direktors Kasper König und des Publikums zu stellen. Eingeleitet wurde der Abend durch einen Filmbeitrag von Arte, der anlässlich der Ausstellung produziert wurde. Dort nahm man mit der Bemerkung, Crumb hätte es „längst zur Museumsreife gebracht“, das Scheitern des Gesprächs vorweg.
Die Institution Museum lässt sich nicht gerne ihre Hegemonialmacht in Sachen „Kunstwerk“ streitig machen. So merkte man den beiden Gastgebern ihre gönnerhafte Haltung an, Crumb ‚entdeckt’ und in ihren Tempel aufgenommen zu haben. Vergleiche mit Pieter Breughel, August Sanders und Philip Guston mussten herhalten, um Crumb Museumsreif zu machen, anderen, von Crumb geschätzten Produkten der Massenkultur wurde die Wertigkeit abgesprochen, denn die Kriterien für Qualität stellt immer noch der Kunstkenner auf – basta! Bei der Verteidigung der Macht über den Kunstdiskurs mittels Ausschließung wurde König richtig lebhaft.

Ganz im Gegensatz zu seinen beiden Gesprächspartnern, die vor allem die bereits auf der Vernissage zum Besten gegebenen Anekdoten zur Entstehung der Ausstellung kolportierten, war Crumb die ganzen 90 Minuten über sehr lebhaft und rettete den Abend mit seiner kecken Art und der frühen Motivation des Publikums, Fragen zu stellen. Denn nachdem er sich, dem eigentlichen Thema zuwendend, bei Fischer erkundigte, ob der mehr die Zeichnungen oder die Texte bei Comics beachte, und ihn somit nebenbei darauf hinwies, dass der Comic eine narrative Kunstform ist, war klar, dass von dieser Seite nicht mehr viel zu erwarten war – für Fischer sind es nur Zeichnungen. Das Publikum hingegen fragte im Folgenden interessiert nach den Reaktionen auf seine oft rassistischen und sexistischen Provokationen, nach seinen kreativen Schüben durch Drogen, nach seinen verlegerischen Problemen und seiner Stellung in und seine Sicht auf die gegenwärtige Comicszene.

Wer im Rahmen dieser Institution auf eine akademische Annäherung an Crumb gehofft hatte, wie man sie von einem Museum erwarten kann, wurde enttäuscht. Fragen zu Arbeitstechniken, Zeichenstil, Erzählweise oder Ideenfindung hätten von den Gastgebern kommen müssen. Die schienen aber mit dem Genre, in dem ihr Gast zu arbeiten Pflegt, nicht vertraut zu sein und konnten anscheinend auch nicht ihr Handwerkszeug auf den Comic übertragen. Auf die Idee, als weiteren Gast einen Comicexperten einzuladen, ist man jedoch nicht gekommen. So musste man sich wirklich fragen, warum Crumb sich das antut. Der jedoch war bester Laune, sehr ironisch und völlig frei vom Comic-üblichen Rechtfertigungszwang gegenüber der so genannten Hohen Kunst. Wie genau er es anstelle, witzige Comics zu machen, war eine der Fragen aus dem Publikum. Witzig sein sei gar nicht sein Ziel, antwortete Crumb. „Ich will zuallererst unterhalten“. Damit hat er auch diesen Abend gerettet.
Christian Meyer

„Robert Crumb im Museum Ludwig, Köln: 28.5. – 12.9.2004.
Katalog: Robert Crumb: „Yeah, but is it art?“. Drawings and Comics. Museum Ludwig, Köln/ Verlag der Buchhandlung Walther König, 2004

Zuerst erschienen in taz- NRW

Ed Brubaker & Jason Lutes: Herbstfall

Jason Lutes arbeitet für gewöhnlich alleine, hat sich aber mit dem zeichnen dieses Intermezzos, das in den USA bereits 2001 erschienen ist, eine kurze Abwechslung gegönnt. Denn seit Jahren beschäftigt er sich schon mit dem akribisch recherchierten, ca. 600 Seiten umfassenden Historiencomic „Berlin“. Ein Projekt, das ihn voraussichtlich auch noch die nächsten Jahre in Beschlag nehmen wird.

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Ed Brubaker, der Autor von „Herbstfall“, ist vor allem aus dem Superhelden- und Krimi-Kontext bekannt. Er nähert sich thematisch an den stets an individueller Psychologisierung der Personen interessierten Lutes an: „Herbstfall“ ist ein Psychothriller um einen jungen, desorientierten Slacker, der in einen zehn Jahre zurückliegenden Mordfall verwickelt wird. Brubaker stellt auf spannende Art eine stimmungsvollen Kontrast zwischen den verwirrenden Ereignissen im Mordfall und dem etwas orientierungslosen Kirk her. Denn der wurde gerade von seiner Freundin verlassen, arbeitet angeödet in einer Tankstelle und muss mit seinem langweiligen, aber neugierigen WG-Bewohner zurechtkommen. Im klassischen Thriller-Modus rutscht der unbescholtene Kirk aus seinem ziellosen Leben, hinein in die beängstigende Welt des Verbrechens.
Schnell lernt der Leser die psychologischen Befindlichkeiten der Protagonisten kennen, ohne dass deren geheimnisvolle Aura verloren geht. Das ist gleichermaßen Brubakers wie Lutes Verdienst: Sie lassen einen mit dubiosen, die Story einleitenden Bildern regelrecht in die Geschichte stürzen, bis man sich wie Kirk, hastend in ihr verfängt. Die Story wird einerseits von den sich überschlagenden Ereignissen, andererseits von Lutes’ typischen, kleinen Panels schnell vorangetrieben. Mit seinem der ligne claire verwandtem, aber in Sachen Detailreichtum auf die Spitze getriebenem Stil, vermag er in wenigen Bildern auf eine Art klaustrophobische Gefühlswelten heraufzubeschwören, wie man es bereits von seinem Comicroman „Narren“ kennt.
Die Qualität dieser kleinen Geschichte wird allerdings dadurch etwas geschmälert, dass man gegen Ende deutlich das 48-Seiten Korsett spürt, in die sich die Autoren wohl fügen mussten. Das Ende erscheint wie im Zeitraffer und unsanft fällt man so schnell aus der Geschichte, wie man in sie hineingestürzt ist. So erscheint „Herbstfall“ zumindest im Falle Lutes mehr wie eine kleine Fingerübung eines Künstlers, der in größer angelegten Projekten seine Fähigkeiten besser zum Ausdruck bringen kann.

(Reprodukt, 48 Seiten, S/W, Softcover, 10 €)

Zuerst erschienen in Strapazin # 75, 06/04

„Persepolis – Eine Kindkeit im Iran“ von Marjane Satrapi

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Der arabische Lebensraum ist für gewöhnlich kaum Thema in Comics. Daher ist „Persepolis – Eine Kindheit im Iran“ von Marjane Satrapi an sich schon ein Ereignis. Satrapi schildert in naiv anmutenden, kontrastreichen Zeichnungen ihre Kindheit im Iran – von der Unterdrückung durch den Schah bis zur Unterdrückung während der islamischen Revolution unter Khomeini und dem Iran-Irak-Krieg. Gar nicht bitter, sondern mit viel Humor bringt uns Satrapi die verzweifelte Lage der iranischen Bevölkerung nahe, die neben Repression und Tod aber immer auch Wege zum kleinen Glück – Feiern, Alkohol, Popmusik und sogar Poster von Iron Maiden – findet. Keine gewöhnliche Kindheit, in einem Land, dass aber nicht nur Fanatiker kennt. Ein zweiter Band „Jugendjahre“ ist in Planung.
(Edition Moderne)

Michael Husmann: Rama

Da bestellt man ahnungslos bei dem kleinen Schweizer Comic-Verlag Arrache Coeur ein Rezensionsexemplar ihrer neuesten Veröffentlichung – und was bekommt man? Nicht weniger als eine kleine Revolution des Mediums! Genau das ist Michael Husmanns Adaption der Indischen Sage Rama. Huismann fast zunächst auf zwei Seiten den Plot der Legende in einer Kurzerzählung zusammen, um uns im Folgenden mit seiner quietschbunten, in der Gegenwart angesiedelten Comicversion sprachlos zu machen.

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Alleine die Verknappung der Story mittels Untertiteln hat es in sich: „…brachte eine seiner drei Frauen ein Pferdeopfer dar…“ wird zu „Pferd: Wieher!; Revolver: Peng!; Pferd: +++“ und „… versuchte, sie durch betörende Reden zu gewinnen“ wird zu „Hallo… Ich will Sex mit Dir!“ Die Bilder sprechen eine genau so deutliche Sprache: in indisch-knallbunt lümmeln sich die Protagonisten wie Medienhipster in schicken Interieurs, müssen sich allerdings nicht mit Mac & Co. sondern mit allerhand Dämonen rumschlagen. Panels im klassischen Sinn gibt es auf den Seiten nicht, Sprechblasen schon gar nicht! Stattdessen gilt es auch für den Comic erfahrenen Leser erst ein mal die Handlungsabfolge zu erforschen, und die Auslassungen sind sogar für ein auf dem Prinzip der Auslassung (zwischen den Panels) basierendes Medium wie den Comic etwas zuviel des guten. Und so ist das Lesen der Sage nicht nur ein Differenzentdeckungsspaß, sondern zum Verständnis der Handlung ziemlich unerlässlich. Ein dreifaches Hoch auf diesen das Leseverhalten irritierenden Medienzwitter!

Plaque 01 – Magazin für Wort und Bild

All die Hoffnungen, die in den 80er Jahren geschürt wurden, dass Comic Kultur endlich aus dem Spezialistenkreis heraus in die allgemeine kulturelle Wahrnehmung als etwas anderes als gezeichnete Enten eingehen könnte, nämlich als komplexes, anspruchsvolles künstlerisches Medium, mussten trotz der theoretischen Bemühungen Scott McClouds in den 90er Jahren wieder tief begraben werden. Stattdessen allerorten Mangas, die die Superhelden im Mainstream abgelöst haben. Im deutschsprachigen Raum erhält seither lediglich das tapfere Magazin Strapazin ein wenig die Hoffnung, der sogenannte Erwachsenen-Comic könne endlich die ihm gebührende breitere Popularität erlangen. Doch jetzt kommt Verstärkung in Form der jährlich erscheinenden Anthologie „Plaque“ aus dem Avant-Verlag, dem Berliner ‚Fachmann’ für italienische Comicavantgarde. Da verwundert es nicht, dass der Schwerpunkt der ersten Ausgabe mit Beiträgen von und zu Andrea Bruno, Steffano Ricci, den Altmeistern Lorenzo Mattotti und Igort sowie anderen gleich auf italienischen Künstlern zwischen klarer Sachlichkeit, wilder Expressivität und Materialexperiment liegt.

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Das schöne und einzigartige 300 Seiten starke Magazin im Buchformat widmet sich verschiedenen Autoren und Zeichnern mit aufschlussreichen, intelligent geführten Interviews und teils exklusiven Arbeiten der Künstler. Außerhalb des Italien-Spezials finden sich neben den Comic-Rahmen sprengenden Zeichnungen, Graphiken und Collagen von unbekannteren Künstlern wie Jens Harder oder Marc Gröszer auch Beiträge von und zu solch nationalen Größen wie Atak und sogar einem Superstar wie Alan Moore, dessen klugen Worten im Interview man gerne folgt und der mit „Ich komme immer wieder zurück“, einer klar reflektierten Kurzgeschichte zum riskanten inzestuösen Autor-Werk-Verhältnis, noch ein mal eine Fußnote zu seinem Jahrhundert-Werk „From Hell“ abliefert – auf dass dessen Verfilmung in ewige Vergessenheit gerate!
(Herausgeber: Johann Ulrich u. Kai Pfeiffer, avant-verlag)

Zuerst erschienen in De.Bug 05/03

Lewis Trondheim: Mein Freund der Rechner / Nicht ohne meine Konsole
Lewis Trondheim & M. Larcenet: Die Kosmonauten der Zukunft 1 & 2

Lewis Trondheim, Comicautor, Zeichner und Freund der absurden Wendung, hat in nur wenigen Jahren als Einzelhefte und in diversen Serien, alleine oder im Duo mit anderen Zeichnern bereits über 30 Alben veröffentlicht. Dass bei diesem mörderischen Arbeitstempo die Qualität auch mal schwankt, verwundert nicht. Das kann man auch bei seinen nur locker verbundenen Geschichten rund um Computer und Videospiele, feststellen.

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Mit 1-4 Seitigen Kurzgeschichten greift Trondheim in „Mein Freund der Rechner“ die reichlich vorhandenen Absurditäten der digitalen Lebensaspekte auf – die Pointen zünden allerdings nicht immer! In der letzten Geschichte lernen sich dann die Protagonisten des zweiten Bandes „Nicht ohne meine Konsole“ kennen. Dort kreist die Story der beiden Videospiel-Kritiker um die Themen Medien und Konsum, und stößt des öfteren humorvoll an philosophische Grundfragen. Auch hier zündet nicht jede Pointe (trotz fortlaufender Story im Heft ist jede Seite kunstvoll wie ein einzelner Comicstrip mit Pointe arrangiert), aber wie Trondheim z.B. auf einer Seite eine komplette Fernsehkritik ausbreitet um sie dann in nur einer Sprechblase ganz im Sinne von Bourdieus These von der Absorbtion/Affirmation der Kritik durch das Medium platt zu walzen, ist schon eindrucksvoll. So etwas bekommt man in einem Funny-Comic sonst nur noch bei Fil (beide Carlsen).

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Seine Serie „Die Kosmonauten der Zukunft“ (Zeichnungen von Manu Larcenet) ist ein Science Fiction um zwei naseweise 11Jährige, die sich plötzlich in ihrer eigenen Fantasiewelt wiederfinden. Ab der Mitte des ersten Bandes wird’s richtig skurril, wobei die absurd erscheinende Logik – sowohl die der Story als auch die der Rotzlöffel – zunehmend für metaphysische Begeisterung sorgt. Im zweiten Band bricht der Wahnsinn komplett aus (beide Ehapa).

Zuerst erschienen in De:Bug 05/03

Yslaire: Der XX.Himmel

Der Comiczeichner Yslaire (‚Sambre’) startet mit der zweibändigen Geschichte ‚Der XX.Himmel’ den Versuch, den Comic ins Computerzeitalter zu katapultieren. Nicht mit am Computer gezeichneten Bildern, nicht durch die Publikation im Internet, sondern mit einer spezifischen Erzählweise: die Geschichte wird weitgehend an Hand von E-Mails, die anonym (von @nonymous) an die Protagonistin Eva Stern (evastern@yslaire.de), eine steinalte, jüdische Psychoanalytikerin, gesendet werden, erzählt.

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@nonymous schickt ihr Bilder und Filme, die zwar ihr eigenes Leben betreffen, insgesamt aber auch ein Bild der düsteren Seite des 20.Jahrhunderts liefern. Die Panels sind in einem klassischen, malerischen Stil gehalten (vergleichbar mit Bilal), Yslaire hat dadurch aber seine eigene Erzähltechnik nicht immer ganz im Griff: das malerische kollidiert mit dem neuen Kommunikationsmedium – die Software mit der Hardware. Trotzdem ein schöner, poetischer Comic eines französischen Altmeisters.
(2 Bände, Carlsen, 2001/2)

Alan Moore & Eddie Campbell: From Hell

Die literarische Vorlage des zur Zeit in den Kinos laufenden Films From Hell mit Johnny Depp ist der gleichnamige Comic von Alan Moore und Eddie Campbell, der aus diesem Anlass jetzt auch in einer einbändigen, deutschen Gesamtauflage vorliegt. Moore (Watchmen, V wie Vendetta) hat dieses Mammutwerk zusammen mit dem Australischen Zeichner Campbell in den Jahren ´89 bis ´98 verfasst, und wenn man den ca. 600 Seiten umfassenden Wälzer erst einmal durchgearbeitet hat, wundert man sich überhaupt nicht mehr über den langen Zeitraum der Entstehung. Moore nimmt die Ereignisse um die bis dato ungelösten Whitechapel-Morde (bekannt geworden unter dem fiktiven Namen Jack the Rippers) als Aufhänger, um an ihnen den Übergang vom 19. ins 20. Jahrhundert zu veranschaulichen – technisch, mental, kriminal – nicht ohne die halbe Weltgeschichte zwischen Mythen-, Architektur- und Sozialgeschichte auch noch abzuhaken. Und dies tut er mit einem Rechercheaufwand, den nur ein Besessener betreiben kann. Im Rahmen der eigentlichen Mordserie stützt er sich auf zahlreiche bisherige Veröffentlichungen zum Fall, recherchiert aber auch selber und bastelt sich so seine eigene Theorie zusammen, wobei er alle Quellen, eigenen Schlüsse und fiktiven Einschübe um der Dramaturgie Willen in einem detaillierten, schriftlichen Kommentar (alleine das sind 60 Seiten) erläutert.

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Campbell arbeitet auf den ersten Blick intuitiver: In seinen fahrigen s/w-Zeichnungen ist das Londoner Nebel- und Regenwetter stets präsent – allerdings auch in den Innenräumen! Daher ist es wohl kaum überinterpretiert, wenn man in den rastlos hingekritzelten Zeichnungen einerseits die Unruhe und Ungeduld der Protagonisten widergespiegelt sieht, andererseits in ihren Ungenauigkeiten und häufig nur schemenhaften Andeutungen die vage Sachlage des Kriminalfalls reflektiert findet. Und letztendlich basiert natürlich auch die visuelle Darstellung der Architektur, der Mode und der restlichen Requisiten auf detaillierter Recherche.
Und als wäre das alles noch nicht genug, bietet dieses Comic-Monstrum im zweiten Anhang auch noch einen 24 Seitigen Bonuscomic, der sich auf der Metaebene der Entstehung des Buchs widmet. From Hell ist sofort in meine persönliche Top Ten der besten Comics aller Zeiten eingestiegen. Der Film (muss man es noch extra sagen?) ist natürlich nur eine traurige Verstümmelung der Vorlage.
(Speed Comics)

Zuerst erschienen in De:Bug 05/02

Scott McCloud: Comics richtig lesen / Comics neu erfinden

Comic als elektronischer Lebensaspekt

Nach einer detaillierten, in Comicform ausgearbeiteten Theorie zum ästhetischen Phänomen Comic, veröffentlicht Scott McCloud nun in gleicher Form eine Analyse der ökonomischen Bedingungen des in der Krise steckenden Comicmarktes und formuliert zugleich die Möglichkeiten der sowohl ästhetischen als auch ökonomischen Neuerfindung des Comics in Zeiten von Computer und Internet.

1993 veröffentlichte der US-Amerikanische Comicautor Scott McCloud seinen vielumjubelten Comicband ‚Understanding Comics’ (die deutsche Übersetzung heißt leider besserwisserisch ‚Comics richtig lesen’). Neben der ungewöhnlichen Tatsache, dass dieser Theorie-Band in der Form des Gegenstandes der Analyse gestaltet war, nämlich als Comic, bestach das 220-Seiten dicke Buch vor allem dadurch, dass hier eine ernstzunehmende ästhetische Theorie (hauptsächlich semiotisch orientiert) in höchst kurzweiliger Form entwickelt wurde. Die Wahl der Form war aber mehr als nur ein Gag bzw. die naheliegendste Möglichkeit, das anvisierte Publikum zu erreichen, denn so konnten die visuellen Effekte, über die gesprochen wurde (und zwar mit Hilfe der Comicfigur Scott McCloud, die den Leser dozierend durch das Buch führt), auch gleich anschaulich vorgeführt werden. Sämtliche Koryphäen der Comic-Kunst, von Will Eisner bis Art Spiegelman überschlugen sich mit Lob. Im Folgenden Arbeitete McCloud an dem computergenerierten Album ‚The New Adventures Of Abraham Lincoln’, dass wenig Gnade bei der Kritik fand. Insofern kann die Rückkehr zu der Erfolgsformel von ‚Understanding Comics’ durchaus zwielichtig erscheinen (erst recht, da die Comicform diesmal nicht ganz so zwingend ist – allerdings spricht auch nichts dagegen). Aber man sollte sich doch anschauen, was ‚Reinventing Comics’, soeben in der deutschen Übersetzung unter dem Titel ‚Comics neu erfinden’ erschienen, inhaltlich zu bieten hat.

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Das Buch besteht aus zwei Teilen: Im ersten beschreibt McCloud 9 sogenannte Revolutionen, die die fetten Jahre Mitte der 80er bis Mitte der 90er Jahre gebracht haben. Diese Zeit hat mit Akteuren wie Bill Sienkiewicz, Frank Miller, Alan Moore, Dave McKean u.a., häufig ausgehend von der Dekonstruktion des übermächtigen Superhelden-Genres, eine sowohl ästhetische als auch thematische Explosion auf dem Comicmarkt verursacht (bei dessen Beschreibung zeichnet sich recht deutlich McClouds amerikanische Sichtweise ab). Im Jahr 2001 gibt es daher immer noch eine große Anzahl thematisch interessanter und künstlerisch eigenständig formulierter Comics, die Marktsituation ist nach dem Ende der Aufbruchsstimmung aber ziemlich schlecht bis katastrophal. McCloud schreibt aus dieser Position, in der die künstlerische Blütezeit gerade zurückliegt, und man die Zukunft recht ernüchtert betrachtet.

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Im zweiten Teil fragt er daher nach den Möglichkeiten, die Errungenschaften der ‚Erwachsenwerdung’ der Comics halten und ausbauen zu können. Nach einleitenden Worten über Geschichte und Möglichkeiten von Computer und Internet, beschäftigt er sich mit den Fragen der digitalen Distribution, Produktion (auch ‚Comics neu erfinden’ ist am Computer entstanden!) und der komplett digitalen Comics, die nur im Netz existieren. Dieser zweite Teil ist kräftig von Pathos begleitet, denn McCloud sieht hier nicht nur die einzige Möglichkeit, den künstlerischen Comic finanziell überlebensfähig zu halten, sondern auch die Chance, vollkommen neue Wege sowohl in der Ästhetik der einzelnen Panels, als auch in deren Anordnung zu gehen. Dabei lässt er sich gar nicht einmal so sehr auf multimediale und interaktive Möglichkeiten ein, denn diese Felder möchte er Kunstgattungen überlassen, die dort wesentlich mehr leisten können. Er bezieht sich hier vielmehr auf ästhetische Möglichkeiten jenseits von perfekter Simulation: die Freiheit von Erzählstrukturen, wie sie durch die Loslösung vom bedruckten Papier entsteht. Diese Möglichkeiten beschreibt McCloud in ‚Comics neu erfinden’ eindrucksvoll und anschaulich. Ob man sich aber in Zukunft komplett von der herkömmlichen Form des Comics als Buch verabschieden soll und kann, darf trotz aller Euphorie McClouds bestritten werden.

Zuerst erschienen in De:Bug 01/02

Katz und Goldt

1997 hat der Graphiker und Zeichner Stephan Katz auf gut Glück einige von Max Goldt geschriebene Geschichten illustriert und dem Autor zugesandt. Dem gefiel’s und man entschloss sich zu einer Zusammenarbeit.
Seitdem gibt es neben Büchern, Platten und Hörspielen auch Comics von Max Goldt. Inzwischen steht der vierte Band in den Regalen.

Als erstes legten Stephan Katz und Max Goldt der Öffentlichkeit das beim Berliner Comic-Verlag Jochen Enterprises erschienene Heft „Wenn Adoptierte den Tod ins Haus bringen“ vor. Dort sind auch die Nachfolgebände „Koksen um die Mäuse zu vergessen“ und „Ich Ratten“ erschienen, die Zahlreiche Comic-Strips und Cartoons versammeln, von denen einige zuvor in diversen Magazinen erschienen waren. Als sich Katz und Goldt entschlossen, einen vierten Band zusammenzustellen, hatte ihr ehemaliger Verlag aber leider schon das Zeitliche gesegnet. Man musste also einen neuen Partner finden und fand ihn auch schnell im Carlsen Verlag. Dem jedoch gefiel anscheinend nicht nur der neu vorgelegte farbige Band „Oh, Schlagsahne! Hier müssen Menschen sein“, sondern auch die früheren. Und da die ersten drei s/w-Bände bereits vergriffen waren, verlegte man gleich noch die alten Titel aufs Neue, und zwar als schicke Hardcover-Ausgaben, teilweise mit Bonusmaterial versehen. Das hat zur Folge, dass nun ein völlig überforderter Rezensent vor 4 Comic-Alben mit höchst merkwürdigen Titeln und schlacksig-naiven Zeichnung mit viel Rastermuster-Hintergründen sitzt, und versucht, das alles irgendwie anschaulich zu machen, oder zumindest in den ominösen Humor-Kosmos von Max Goldt einzuordnen.

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Versuchen wir also ersteres durch letzteres: Max Goldt fiel wahrscheinlich zuerst einem größeren Publikum mit dem ´82er Foyer des Arts-Hit „Wissenswertes über Erlangen“ auf. Die dort beschriebene kleinbürgerliche Spießigkeit mit all ihren Klischées, Vorurteilen, Gemeinheiten und unfreiwilligem Humor zieht sich seitdem durch Goldts Schaffen: Etliche Platten zusammen mit Gerd Pasemann als Foyer des Arts, zahlreiche Bücher mit Kurzgeschichten und Kolumnen, Hörspielkassetten und seit 1997 eben auch Comics. Bei den Comics reicht die thematische Palette von oben genannten Beschreibungen (‚Erlangen’ gibt es im Bielefeld-Remix) über die Verarbeitung von Schwulen-Klischées (mit der Serie „Die beiden netten Homos“), pseudo-analytischen Diskursen (‚Pilze sind Jazz’) bis zu haarsträubenden Wort/Bild-Spielen und derben Zoten.

Auf beeindruckende Art zeigt sich schon nach den ersten Seiten der Lektüre, dass weder eine Orientierung an linearen Handlungssträngen noch das warten auf Pointen viel Sinn macht. Beides kann man hin und wieder vorfinden, die Regel ist es aber keinesfalls. Somit siedeln sie sich zwischen ihren ehemaligen Berliner Verlagskollegen OL (thematisiert kleinbürgerliche Spießigkeit extrem bösartig) und Phil/Fil (Meister im sinnentleerten Abschweifen von der zentralen Handlung einer Geschichte, nachzuprüfen an seinem Epos „Didi & Stulle“) an. Strips, die gekonnt ins leere laufen und jeglicher Pointe entbehren, dafür aber zwischendurch mit zahlreichen Bonmots aufwahrten wechseln sich ab mit Cartoons, die auch nach längerem Studium äußerst rätselhaft bleiben und vielleicht einfach nur zu zu später Stunde am Tresen entstanden sind. Aber: auch wenn man sich hin und wieder sehr an der Leichtigkeit des Un-Sinns ergötzen kann findet der aufmerksame Leser doch immer wieder äußerst treffend beobachtete hässliche Kleinigkeiten und schöne Großartigkeiten des Alltags zwischen provinziellem Mief und großstädtischer Hipness-Arroganz charmant beschrieben.

Zuerst erschienen in De:Bug 12/01