Arbeitsproben (Blog)

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Joel Andreas: Süchtig nach Krieg. Warum die USA nicht aufhören können, Krieg zu führen.

Es mutet an wie die Comic-Version eines Films von Michael Moore: Joel Andreas Sachcomic „Süchtig nach Krieg“ ist eine profunde Sammlung an Zahlen und Fakten zum US-amerikanischen Imperialismus seit der Gründung der Staatenunion, die an ironischen Spitzen nicht spart. Doch wo man einem Film wie „Super Size Me“ durchaus das Michael Moore Syndrom unterstellen kann, muss man bei Andreas Sachcomic vom Vorwurf des Epigonentums Abstand nehmen, da der Band bereits 1992 erstmals anlässlich des ersten Irak-Krieges erschienen ist. Zehn Jahre später wurde das Album anlässlich des Afghanistan-Krieges aktualisiert. Nach dem zweiten Irakkrieg fügte Andreas im Frühling 2004 nochmals eine Ergänzung hinzu. Auf dieser letzten Fassung basiert die erste deutsche Übersetzung.
„Süchtig nach Krieg“ ist weniger als ästhetisches Kunstwerk von Interesse, denn es handelt sich hier überwiegend um bebilderte Texte, die allerdings in Panels gegliedert sind. Die Zeichnungen sind schlicht und erinnern an Cartoons in Schulbüchern. Damit ist der didaktische Anspruch offensichtlich und das Album steht deutlich mehr in der Tradition von illustrierten Büchern oder politischen Cartoons denn von neuzeitlicher Comic-Kunst. Man will wohl über diese leicht zu konsumierende Form eine große Zahl an Lesern, vor allem Schülern erreichen – ein durchaus akzeptables Ziel.

Die Fülle an Informationen ist dennoch erschlagend: Andreas liefert zu Beginn einen fundierten Abriss der kolonialistischen Bestrebungen der USA bis in die heutige Zeit, bevor er in einzelnen Kapiteln die Verwicklungen von Politik, Militär, Wirtschaft und Medien beschreibt und die daraus resultierenden Auswirkungen auf die Sozialpolitik der USA. Damit macht er schnell klar, weshalb der Untertitel „Warum die USA nicht aufhören können, Krieg zu führen“ lauten muss. Nicht können statt nicht wollen! Denn die beschriebenen Strukturen lassen längst keine freie Entscheidung mehr zu: zwischen eigenem Selbstbild und kapitalistischer Notwendigkeit könnte auch ein moderater Präsident nur in Nuancen anders handeln. Das ist keine schöne Erkenntnis, zeigt aber klar und schonungslos die strukturellen Zusammenhänge der US-Politik. Vorwürfe bzgl. eines etwas einseitigen Anti-Amerikanismus bedient der Comic sicherlich. Der Verlag Zweitausendeins ist ja bekannt dafür und die Gefahr, schnell auch beim Anti-Zionismus zu landen ist groß – es ist kein Zufall, dass gerade Zweitausendeins auch Joe Saccos großartige Comic-Reportage „Palästina“ veröffentlicht hat. Nichts desto Trotz sind dies Wahrheiten, die benannt werden sollten. Die Gefahr, sich dabei auch falsche Freunde zu machen, gibt es immer. Die das fürchten, können dem ja Comics über palästinensische Terrorakte oder die Deutsche Machtpolitik entgegensetzen. Die eigene Meinung muss man sich immer aus verschiedenen Quellen zusammenbasteln.
(Zweitausendeins. 76 Seiten, S/W, Softcover, 7,50Euro)

Zuerst erschienen in Strapazin Nr. 77, 04/04

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„Die fetten Jahre sind vorbei“ von Hans Weingartner (Review & Interview)

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„Die fetten Jahre sind vorbei“ oder „Sie haben zu viel Geld“ lauten die Botschaften, die die beiden linken Aktivisten Jan und Peter bei ihren nächtlichen Streifzügen durch Villen hinterlassen. Geklaut wird jedoch nichts, sie stellen nur die Einrichtung auf den Kopf. Als Jan bei einem Streifzug mit Peters Freundin Jule auf den Besitzer trifft, gerät ihre Aktion außer Kontrolle. Zu dritt entführen sie ihn…

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Joann Sfar – Die Katze des Rabbiners / Joann Sfar – Professor Bell

Zwei neue Serien von Joann Sfar auf Deutsch

Es gibt zwei entscheidende Unterschiede zwischen französischen und deutschen Comiczeichnern: erstens verkaufen die Franzosen wesentlich mehr Hefte (Sfars „Die Katze des Rabbiners“ wurde in Frankreich rund 250.000 verkauft); zweitens machen die Franzosen wesentlich mehr Hefte. Wirft man einen Blick auf die Bibliografien von Joann Sfar oder Kollege Trondheim, dann müssen die wohl rund um die Uhr und ausschließlich wie die Blöden zeichnen. Joann Sfar kann mit seinen 33 Jahren rund 90 Hefte, an denen er beteiligt war, vorweisen, die wenigsten davon – wie beispielsweise Sfars und Trondheims gemeinsames Großprojekt „Donjon“ – erscheinen auf Deutsch. Der ambitionierte Avant-Verlag hat sich jüngst daran gemacht, zwei weitere Serien von Sfar auf Deutsch zugänglich zu machen: „Die Katze des Rabbiners“ und „Professor Bell“ sind beides Reihen, die Sfar komplett alleine bestreitet.

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„Die Katze des Rabbiners“ erzählt aus der Sicht der Titelgebenden, sprechenden(!) Katze vom Leben eines Rabbiners und seiner Tochter im Algerien der ersten Hälfte des 20.Jahrhunderts. Dort prallt französischer Kolonialismus auf den Islam auf eine kleine jüdische Gemeinde. Sfar, der selber einen jüdischen Hintergrund hat, nutzt die märchenhafte Erzählweise, um humorvoll philosophisch-theologische Fragestellungen aufzuwerfen, aber auch Kolonialismuskritik anklingen zu lassen. Die Katze, frech und arrogant, kommentiert das Geschehen sehr respektlos und übernimmt den Part des alles hinterfragenden Skeptikers. Wenn die Katze im ersten Band mit den Rabbinern diskutiert, warum sie als jüdische Katze ein Recht auf ihre Bar- Mizwa hat, lernt man nicht nur einiges über das Judentum, sondern befindet sich mitten in einem urkomischen Religionsstreit. Und wenn im zweiten Band Juden und Islamisten streiten, dann bietet auch das reichlich Stoff für humoristische Einlagen. Und vor allem: niemand muss dabei sterben. Eine leicht ironische Haltung des Autors zu religiösen Fragen schimmert hier durch. Die Bilder sind farbenfroh, aber äußerst unruhig, Farblich vergleichbar mit dem plakativen, knallbunten Donjon-Stil, ist der wilde Strich verhuscht und nervös, und die Konturen wirken ähnlich verzerrt wie bei dem von ihm gezeichneten Zweiteiler „Petrus Grumbart“. Das entspricht der umtriebigen Art der erzählenden Katze, der Detailreichtum der Zeichnungen hat darunter allerdings überhaupt nicht zu leiden: Sfar hat ganz offensichtlich Spaß an dem vielfältigen, orientalischen Szenario.

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Das gilt in gleicher Weise für das britische Fin-de-Siècle-Ambiente bei „Professor Bell“. Die düstere Serie um den Lehrer von Sir Arthur Conan Doyle, der Pate für die Figur des Sherlock Holmes gestanden haben soll, zeigt den Professor etwas abgründiger und leicht depressiv und ist entsprechend in gedeckten Farben gehalten. Die Mischung aus Fien-de-Siècle, Kriminalfall und übersinnlichen Ereignissen erinnert nicht nur thematisch an Tardis „Adele“-Serie. Sfar hat wie jener offensichtlichen Spaß an überdrehtem, surrealem Humor und ist nie um eine haarsträubende Wendung verlegen: melancholische Geister, sprechende Geschwüre und lebende Tote sind da noch die kleineren Überraschungen. Das narrative Freigeistertum und die offensichtliche Freude an Splatter-Effekten bei „Professor Bell“ erinnert mal wieder an den „Donjon“, und man wundert sich wirklich, dass Sfar und seine Kollegen mit dem lockeren Umgang von Wahrscheinlichkeit und ihrem schnoddrig wirkenden, aber sicherlich arbeitsintensiven Zeichnungen beim Publikum ankommen und dafür auch noch, wie Sfar jüngst in Erlangen, ausgezeichnet werden. Es gibt eben nichts spannenderes, als die gelungene Überraschung auf der nächsten Heftseite…

(Die Katze des Rabbiners 1. Die Bar-Mizwa; 2. Malka, der Herr der Löwen. Je 48 Seiten, Farbe, Hardcover, Avant-Verlag, 14,95 € Professor Bell: 1. Der Mexikaner mit den zwei Köpfen. 46 Seiten, Farbe, Softcover, Avant-Verlag, 14,95 €)

Zuerst erschienen in Strapazin # 77, 12/04

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„Bad Santa“ von Terry Zwigoff

Der trunksüchtige Tresorknacker Willie T. Stokes ist Kaufhaus-Weihnachtsmann, sein kleinwüchsiger Kollege Marcus mimt den Kobold. Doch das alles ist nur Tarnung für ihre nächtlichen Raubzüge. Als ein kleiner, dicker Junge, der sich partout nicht davon abbringen lassen will, an den Weihnachtsmann zu glauben, auftaucht, wird’s kompliziert…

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Eine solche „Klamotte“ war von Terry Zwigoff nicht gerade zu erwarten. Der mehrfach ausgezeichnete Regisseur machte bislang mit ganz anderen Filmen von sich reden: 1994 überraschte er Kritik und Publikum mit dem großartigen Dokumentarfilm „Crumb“ über Robert Crumb, die Ikone des US-amerikanischen Underground-Comics – der Film war seiner Zeit der dritterfolgreichste Dokumentarfilm aller Zeiten. Auch sein nächster Film, der Spielfilm „Ghost World“, hatte mit Comics zu tun, handelte es sich doch um die gelungene Adaption von Daniel Clowes gleichnamigen Comic um das Leben zweier Mädchen in den öden Suburbs der USA. Clowes wird auch Co-Autor seines nächsten Films „Art School Confidential“ sein.

Bad Santa, sein aktueller, von den Coen-Brüdern produzierter Film, hat mit Comics nicht am Hut, es sei denn man charakterisiert die dort gezeigten Übertreibungen als ‚comichaft’. Billy Bob Thornton weiß als trunksüchtiger, fluchender und nicht zuletzt krimineller Weihnachtsmann zu überraschen. Spaß an der Übertreibung wird er beim Dreh gehabt haben: wenn er nicht versoffen in Bars rumhängt, sieht man den von ihm verkörperten Willie Stokes entweder fluchend mit kleinen Rotzlöffeln auf dem Schoß oder hintenüberkippend in seiner eigenen Kotze versinkend. Die zunächst verbalen, dann zunehmend körperlicher werdenden Gefechte zwischen Thornton und seinem kleinwüchsigen Partner Tony Cox sind herrlich derbe. Wenn sich dann noch der 8jährige Brett Kelly als der unbeirrt an den Weihnachtsmann glaubende Thurman zu diesem ungleichen Paar gesellt, ist das an Absurdität kaum zu überbieten. Es ist etwas gemein, aber Kelly kassiert als kleiner, dicker, rothaariger Junge alleine schon mit seinem Aussehen reichlich Lacher. Wenn er dann noch in unnachahmlicher Beharrlichkeit wider alle Bösartigkeiten des Gegenübers mit treudummem, bewegungslosem Gesichtsausdruck Stokes anstarrt, ist das an Komik kaum zu überbieten. Trotz aller Exzentrik gibt es aber auch bei Zwigoff eine Art Happy-End – es ist ja schließlich ein Weihnachtsfilm.
(Bundesstart: 18.11.04)

Zuerst erschienen in choices 11/04

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„American Splendor “ von Shari Springer Berman & Robert Pulcini

Harvey Pekar ist Angestellter in der Verwaltung eines Krankenhauses in Cleveland. Der nerdige Platten- und Comicsammler, zweifach geschieden, beginnt 1976 mit Hilfe von Robert Crumb seine Alltagserlebnisse in Comicform zu veröffentlichen – und erfindet damit erfolgreich ein neues Genre.

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Comics werden häufig immer noch mit Superhelden und Knollennasen gleichgesetzt, und das Kino leistet bei diesem Missverständnis einen nicht unerheblichen Beitrag. Comicverfilmungen finden derzeit zahlreich den Weg in unsere Kinos: Hellboy, Spiderman, Daredevil, The Punisher – um nur einige zu nennen. Den meisten von ihnen ist jedoch gemein, dass es sich dabei um mittelmäßige Verfilmungen von mittelmäßigen Comics handelt. Doch es gibt Ausnahmen: mit Hulk von Ang Lee entstand eine ambitionierte Verfilmung eines mittelmäßigen Comics, mit „The Extraordinary Gentlemen“ allerdings auch eine äußerst ärgerliche Adaption der tollen Comic-Vorlage des meisterlichen Alan Moore, unwesentlich gelungener ist die Filmversion seines Jahrhundertwerks „From Hell“. Ganz selten nur entsteht aus einer guten Vorlage ein guter Film. „Ghostworld“ war einer dieser seltenen Glücksfälle, „American Splendor“ ist ein weiterer.

Dabei lässt sich zunächst nicht einmal klar sagen, ob „American Splendor“ überhaupt eine Adaption des gleichnamigen, autobiographischen Comics ist, oder „nur“ ein Dokumentarfilm über dessen Autor. Genau diesem Wirrwarr ist die erzählerische Komplexität des Films geschuldet. Denn gleich auf vier verschiedenen Ebenen wird das Leben des leicht neurotischen Misanthropen Harvey Pekar nachgezeichnet: Tatsächlich gezeichnet in gefilmten Ausschnitten aus den Comics und für den Film animierten Zeichnungen, die teilweise in Spielfilmszenen integriert sind; des Weiteren mittels dokumentarischen Materials (z.B. aus den legendären Auftritten Pekars bei der David Letterman Show in den 80er Jahren); außerdem in Interview-Einschüben, die mit Pekar im Studio gefilmt wurden; schließlich und hauptsächlich mit Spielfilmszenen, die klassisch mit Schauspielern (als Pekar Paul Giamatti/ „Truman Show“) inszeniert sind und kongenial die deprimierende Schlichtheit von Pekars Angestellten-Dasein in der Industriestadt Cleveland darstellen. Die verschiedenen Ansätze überschneiden sich und sind kunstvoll und virtuos ineinander verwoben.

Die anspruchsvolle und komplexe Machart des Films trägt der Tatsache Rechnung, das „American Splendor“ seinerzeit richtungweisend für die Comicgeschichte war und 1987 mit dem American Book Award ausgezeichnet wurde. 1976 traf Pekar den Star der Underground-Comix, Robert Crumb, den er einige Jahre zuvor durch ihre gemeinsame Sammelleidenschaft von Comics und alten 78er Platten auf dem Flohmarkt kennen gelernt hatte. Er zeigte Crumb seine Skizzen. Der war sofort begeistert von dem neuartigen Konzept, einen autobiografischen Comic über Alltagserlebnisse zu machen – das gab es in dieser Konsequenz noch nicht. Er bot sich an, die Stories für den zeichnerisch untalentierten Pekar umzusetzen. Fortan erschien ungefähr einmal im Jahr eine Ausgabe des Heftes, das schnell zum Publikumsliebling auch jenseits der Undergroundcomic-Szene avancierte.

Die wohl erste autobiografische Comic-Serie (Crumb selber verwendete zuvor nur ansatzweise autobiografische Elemente, später allerdings massiv) wurde bis in die 90er Jahre von Pekar selbst, dann von Dark Horse verlegt und von wechselnden Zeichnern illustriert: neben Crumb, der bereits Mitte der 90er Jahre mit der Kino-Doku „Crumb“ gewürdigt wurde, unter anderem von Joe Sacco (der später u.a. mit „Palästina“ das Genre des autobiographischen Reportage-Comics begründete), Drew Friedman, Jim Woodring und Dean Haspiel. Letzterer zeichnet auch für die Animationen im Film verantwortlich. Neben einigen Sammlungen im Buchformat erschien ebenfalls das Comicprojekt „Our Cancer Year“, an dem er zusammen mit seiner Frau Joyce Brabner (in den Spielszenen Hope Davis/ „About Schmidt“) anlässlich seiner Krebserkrankung arbeitete.

Leider gibt es bislang keine einzige deutsche Übersetzung von „American Splendor“, aber vielleicht wird der Film das ändern. Natürlich gibt es inzwischen in den USA, nach all dem Wirbel um den Film in Cannes und auf dem Sundance-Festival, einen neuen Comic von Pekar: „Our Movie Year“, wieder gezeichnet von Dean Haspiel.
(Bundesstart: 17.9.04)

Zuerst erschienen in choices 09/04

Nachtrag: Am 29.6.2005 ist die reich mit Bonusmaterial ausgestattete DVD zum Film bei Sunfilm Entertainment erschienen.

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„Die Geschichte von Marie und Julien“ von Jacques Rivette

Wandernde Schatten, hinkende Zeit

Julien, ein zurückgezogen lebender Uhrmacher, erpresst die Stoffhändlerin Madame X. Als er die geheimnisvolle Marie kennen lernt, verändert sich sein Leben, aber nicht seine erpresserische Ader. Nun erpressen Marie und Julien gemeinsam Madame X. Die jedoch scheint Maries Geheimnis zu kennen.

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Mit 75 Jahren macht Jacques Rivette, der Sonderling unter den Sonderlingen, der Solitär unter den Regisseuren der Nouvelle Vague, seinen 25. langen Spielfilm. ‚Lang’ musste man bei ihm immer schon besonders wörtlich nehmen: im Vergleich zu dem 210minütigen Film „Die schöne Querulantin“, Rivettes letzter Film mit Emmanuelle Beart, nimmt sich deren aktuelle Zusammenarbeit „Die Geschichte von Marie und Julien“ zwar recht kurz aus, doch 150 Minuten sind auch noch eine lange Zeit im Kinosaal. Erst recht, wenn das, was man gemeinhin als die Handlung bezeichnet, relativ einfach in zwei Sätzen rekapituliert werden kann.

Relativ einfach? Das wäre es vielleicht, wenn man es bei den Filmen von Jacques Rivette mit narrativen Kunstwerken zu tun hätte. Das ist aber nicht im klassischen Sinn der Fall. Stattdessen sieht man lediglich, wie sich 3-4 Personen in wechselnden Zweierkonstellationen beäugen, beschnuppern und abschätzen, erzählt in vier Kapiteln, die die Perspektive und den Schwerpunkt variieren („Julien“; Julien und Marie“; „Marie und Julien“, Marie“): Julien trifft Marie, sie zieht bei ihm ein, sie leben miteinander. Julien trifft Madame X, sie verhandeln miteinander, trennen sich wieder. Madame X trifft ihre Schwester, sie verzeihen einander, trennen sich wieder. Marie trifft diese Schwester, sie reden miteinander, trennen sich wieder. Dazwischen und währenddessen: Maries Erscheinung und Verhalten ist geheimnisvoll, Julien versucht das zu verstehen. Und wir, im Kinosaal, versuchen das auch.

Rivette hatte immer schon eine Neigung zum Geheimnisvollen, Mystischen, ohne deshalb in die entsprechenden Genres zu gleiten. Denn er bedient sich nicht dieser Elemente, um dramatische Effekte zu erzielen, uns zu erschrecken. Was wir sehen, sieht nämlich sehr nach Alltag aus. Nein, diese Elemente schleichen sich in seine Filme, weil er dort dem Leben, und das ist geheimnisvoll, mit einer großen Intensität nachspürt. Diese Intensität hat auch mit der Länge der Filme zu tun, mit der (Aus-)Dauer und der Ruhe, aber nicht nur. Entscheidend für diese Intensität ist vor allem Rivettes Arbeitsweise: Er hat seit seinen ersten Filmen der Improvisation großen Raum eingeräumt. Das führt dazu, dass er die Momente des Zufalls stark in seine Filme integriert. Der Zufall, das Ungeplante, ist lebendig, während das geplante Kunstwerk (und so auch Genres) eine eher statische Konstruktion ist. Rivette nimmt sich als konstruierenden Künstler, als intendierenden Autor, sehr zurück. Er kommt damit von der Produzentenseite einem Kunstverständnis entgegen, das die Rezeption als eine das Kunstwerk erst konstituierende Praxis aufwertet und die Produktion lediglich als vage Vorgabe für diese Leistung sieht: Rezeptionsästhetik kontra Werkästhetik! All die Details – durch die Schauspieler, die Kamera oder das Licht bedingte Nuancen der Geschichte – sind also nicht zwingend Absichten des Regisseurs, die durch ihn in der Geschichte eine bestimmte Bedeutung erhalten. Aber sie sind da! Und sie haben eine Bedeutung, sogar viele Bedeutungen! Die kann jeder Zuschauer für sich finden – 150 Minuten und länger hat er Zeit dafür, vage geleitet von einigen (mystischen) Ereignissen, stimmungsvoll kreisenden Schattenwürfen und asynchronem Uhrenticken. Auf dass man ein wenig die rationale Perspektive verliert, in einer Geschichte um Leben und Tod, die letztendlich nur auf das eine, alles Irdische überwindende Gefühl abzielt: die Liebe.

Die „Geschichte von Marie und Julien“ umgibt übrigens auch im wirklichen Leben ein Geheimnis. Die Geschichte von „Marie und Julien“ hat Rivette bereits in den 70er Jahren drehen wollen. Nach dem zweiten Drehtag verschwand er aus bislang ungeklärten Gründen für längere Zeit. Nun hat er, nachdem alte Aufzeichnungen wieder aufgetaucht sind, den Film endlich gedreht. Nein – natürlich einen ganz anderen.
(Bundesstart: 26.8.2004)

Zuerst erschienen in choices 08/04

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„Turnaround“ von Celine Keller

Man könnte ganz kurz glauben, in einen Propagandafilm für das Glück der braven Kleinfamilie geraten zu sein. Aber wirklich nur ganz kurz! Denn die kleine Familie, die am Happy End von Céline Kellers 44Minütigem Comic-Film “Turnaround” steht, ist alles andere als normal. Und spießig schon gar nicht: Die allein erziehende Mutter Lana ist glücklich mit ihrer neuen Freundin liiert; Leon, der eigentlich Lanas bei einem wissenschaftlichen Experiment zum Kind verjüngter Ehemann ist und den sie nun als ihren Sohn ausgibt, ist eine kindliche Liebesbeziehung mit seinem nun ebenfalls verjüngten Psychotherapeuten eingegangen. Konzipiert wurde die fantastische Story von Céline Keller und dem Produzentenduo Graw Böckler, die „Turnaround“ als DVD auf ihrem Label „Raum für Projektionen“ veröffentlichen. Gezeichnet, getextet und animiert hat Keller ihren Debut-Film in nur einem knappen halben Jahr.

Mit dem munteren turnaround der Identitäten stehen so ziemlich alle gesellschaftlichen Determinationen, vom Alter über das Geschlecht bis zur Sexualität, aber auch der persönliche Lebensentwurf zur Disposition. „Turnaround“ spielt vor, wie es auch – und vielleicht besser – sein könnte. So verwirrend die Geschichte zunächst ist, so klar ist ihre ästhetische Umsetzung: Kellers Zeichnungen sind geprägt von klaren Linien und starken schwarz/weiss-Kontrasten, mitunter arbeitet sie auch mit verfremdetem Foto- und Filmmaterial. Farbe tritt nur gelegentlich auf und setzt dann deutliche Akzente. Die Art, wie die Comic-Künstlerin ihre Bilder auf die Zeitachse des Films überträgt, machen „Turnaround“ auch zu einer formalen Besonderheit: Animation im herkömmlichen Sinne, d.h. sich bewegende Figuren, sieht man zwar auch. Geprägt ist der Film allerdings von den als unbewegliche Einheit im Bild umhergeschobenen Elementen – Personen, Objekte, Hintergründe. Auch die Dialoge werden nicht wie im herkömmlichen Zeichentrickfilm gesprochen, sondern verbleiben in der Comicform der Sprechblase. Einziger Ton des Films ist die zwischen 60er-Jahre Easy Listening und House mäandernde Musik von Holger Fath-Tati. Als Bonus gibt es auf dieser außergewöhnlichen DVD, die ein großes Publikum zwischen Comic-, Kunst- und Schwulen-/Lesben-Szene verdient hätte, ein Musikvideo zum Titelsong (Gesungen von Keller) und einen Behind-the-Scenes-Bericht.

Céline Keller: „Turnaround“; DVD-R. Zu beziehen über Graw Böckler: grawboeckler@gmx.de; Tel./Fax +49 221 124100; www.raumfuerprojektionen.de
Comics von Céline Keller über CELINEK@gmx.de

Zuerst erschienen in Strapazin Nr. 76, 03/04

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Seth: Eigentlich ist das Leben schön / Clyde Fans

Gleich zwei Comic-Romane des Kanadischen Zeichners Seth hat jetzt die Wuppertaler Edition 52 veröffentlicht. „It’s a good life if you don’t weaken“, vom Comics Journal als einer der 100 besten Comics des 20.Jhd. auserwählt, erschien bereits 1996 bei Drawn and Quarterly, nachdem die Geschichte zuvor in Seths Heftreihe „Palookaville“ seit Anfang der 90er Jahren veröffentlicht wurde. Der Titel der deutschen Ausgabe, „Eigentlich ist das Leben schön“, hängt ein wenig schief, da der fatalistische Tonfall etwas verloren geht. Der beherrscht jedoch die Gesamte Story um den Zeichner Seth, der sich auf die Suche nach dem vergessenen Cartoonisten Kalo macht. Seth erzählt damit gleich zwei Geschichten: Die (autobiographische) Geschichte des Zeichners Seth auf der Suche nach Kalo mit all den persönlichen Erlebnissen des Protagonisten, und die grob recherchierte Lebensgeschichte von Kalo. Die beiden Lebensentwürfe von Seth und Kalo – weniger freiwillige denn den Umständen geschuldete – kollidieren immer wieder. Während Kalo anscheinend nur ein kurzer Erfolg mit seinen Zeichnungen beschieden war und er später recht glücklich eine Familie gründete und ins Immobiliengeschäft einstieg, ist der Idealist Seth mehr oder weniger erfolgreich als Zeichner tätig, kämpft aber mit allgemeinen Beziehungsproblemen und Depressionen. Als Gesprächspartner tritt sein Freund Chet auf (unübersehbar der Kollege und Freund Chester Brown) mit dem er seine fatalistische Weltsicht diskutiert.

„Clyde Fans“ ist Seths aktuellste Story. Auch die Geschichte um zwei Brüder, die im Ventilatorengeschäft tätig sind, ist durchtränkt von Melancholie und Depression. Im ersten Teil blickt der alte Abraham, durch die geisterhaften und heruntergekommenen Räume des Betriebs streifend, auf die Geschichte des Firmenunternehmens und das Leben seines sensiblen Bruders Simon zurück. Im zweiten Teil erleben wir Simons verzweifelten Versuch, 1957 als Vertreter von Clyde Fans Fuß zu fassen, doch seine Depressionen und Ängste werden übermächtig.

Die Tatsache, das Seth im schönen, nur leicht expressionistisch angehauchten klassischen Ligne Claire-Stil arbeitet, transportiert bereits viel von der Thematik der Stories: in beiden Geschichten hadern die Hauptfiguren mit der Gegenwart, den Entwicklungen des modernen Lebens. Was in Clyde Fans noch nachvollziehbar die Haltung eines alten Mannes ist, ist in „Eigentlich ist das Leben schön“ die nostalgische Sehnsucht eines jungen Misanthropen, der droht, den Kontakt zur Welt zu verlieren. Hierin findet man eine Nähe zu Chris Wares ebenfalls autobiographisch inspiriertem „Jimmy Corrigan“. Beide wiederum – man vergleiche nur einmal die statischen Panels in den atmosphärischen Szeneüberleitungen– scheinen stark beeinflusst von den beklemmenden Bildern eines Edward Hopper, dessen Protagonisten ebenfalls von Angst und Depression in Angesicht einer kalten modernistischen Gesellschaft geprägt sind. Bei Seth wird die kühle Stimmung unterstrichen von den Blautönen in den zweifarbigen Zeichnungen.
Der Kulturpessimismus und Zynismus, der vor allem hinter „Eigentlich…“ bzw. dem Protagonisten Seth steckt, könnte auf Dauer etwas ermüdend sein. Doch zum einen merkt man, dass sich Seth in dieser Rolle selbst nicht wohl fühlt, zum anderen ist aber die Konsequenz, sich und die Welt derart Freudlos darzustellen, auch sehr faszinierend. „Clyde Fans“ beruhigt dann den etwas verzweifelten Leser wieder: hier ist das Gefühl der Nostalgie zwar noch etwas ausgeprägter, dafür scheint der Autor inzwischen ein wenig Liebe für seine Figuren entwickeln zu können. So geht einem das Schicksal von Simon wesentlich näher als das von Seth, der in den Diskussionen mit Chet und seinem Umgang mit Partnerinnen regelmäßig der Unsympath ist. Simons Absturz in die Depression im zweiten Teil von Clyde Fans ist hingegen regelrecht erschüttend und erreicht eine emotionale Tiefe, wie man sie von Ware kennt. Das (vorläufige?) Ende deutet Simons Glück im einfachen Leben als Postkartensammler an. Allerdings: auch dies eine hoffnungslos nostalgische Vorstellung.
(Eigentlich ist das Leben schön: 176 Seiten Softcover, Edition 52, 20 Euro
Clyde Fans: 160 Seiten, Softcover, 2-farbig, Edition 52, 20 Euro)

Zuerst erschienen in Strapazin Nr. 76, 3/04

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„Zatoichi – Der blinde Samurai“ von Takeshi Kitano

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Takeshi Kitano findet zurück zu alter Meisterschaft

Der blinde Samurai Zatoichi verdingt sich als Masseur. In einem kleinen Bergdorf trifft er auf die Ginzo-Gang, die gerade den Samurai Hattori als Leibwächter engagiert hat. Als das Unrechtsregime der Gang immer skrupelloser wird, greift der blinde Samurai ein und gibt zu erkennen, dass er ein ungewöhnlich guter Kämpfer ist …

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Robert Crumb im Museum Ludwig, Köln

„Herr Crumb, warum tun sie sich das eigentlich an?“. So oder ähnlich hätte die abschließende Frage bei der Podiumsdiskussion im Museum Ludwig lauten können. Am Dienstagabend fand sich nach der Eröffnung seiner Ausstellung am 27. Juni der Comic-Künstler Robert Crumb ein zweites mal in Köln ein, um sich den Fragen des Kurators Alfred M. Fischer, des Direktors Kasper König und des Publikums zu stellen. Eingeleitet wurde der Abend durch einen Filmbeitrag von Arte, der anlässlich der Ausstellung produziert wurde. Dort nahm man mit der Bemerkung, Crumb hätte es „längst zur Museumsreife gebracht“, das Scheitern des Gesprächs vorweg.
Die Institution Museum lässt sich nicht gerne ihre Hegemonialmacht in Sachen „Kunstwerk“ streitig machen. So merkte man den beiden Gastgebern ihre gönnerhafte Haltung an, Crumb ‚entdeckt’ und in ihren Tempel aufgenommen zu haben. Vergleiche mit Pieter Breughel, August Sanders und Philip Guston mussten herhalten, um Crumb Museumsreif zu machen, anderen, von Crumb geschätzten Produkten der Massenkultur wurde die Wertigkeit abgesprochen, denn die Kriterien für Qualität stellt immer noch der Kunstkenner auf – basta! Bei der Verteidigung der Macht über den Kunstdiskurs mittels Ausschließung wurde König richtig lebhaft.

Ganz im Gegensatz zu seinen beiden Gesprächspartnern, die vor allem die bereits auf der Vernissage zum Besten gegebenen Anekdoten zur Entstehung der Ausstellung kolportierten, war Crumb die ganzen 90 Minuten über sehr lebhaft und rettete den Abend mit seiner kecken Art und der frühen Motivation des Publikums, Fragen zu stellen. Denn nachdem er sich, dem eigentlichen Thema zuwendend, bei Fischer erkundigte, ob der mehr die Zeichnungen oder die Texte bei Comics beachte, und ihn somit nebenbei darauf hinwies, dass der Comic eine narrative Kunstform ist, war klar, dass von dieser Seite nicht mehr viel zu erwarten war – für Fischer sind es nur Zeichnungen. Das Publikum hingegen fragte im Folgenden interessiert nach den Reaktionen auf seine oft rassistischen und sexistischen Provokationen, nach seinen kreativen Schüben durch Drogen, nach seinen verlegerischen Problemen und seiner Stellung in und seine Sicht auf die gegenwärtige Comicszene.

Wer im Rahmen dieser Institution auf eine akademische Annäherung an Crumb gehofft hatte, wie man sie von einem Museum erwarten kann, wurde enttäuscht. Fragen zu Arbeitstechniken, Zeichenstil, Erzählweise oder Ideenfindung hätten von den Gastgebern kommen müssen. Die schienen aber mit dem Genre, in dem ihr Gast zu arbeiten Pflegt, nicht vertraut zu sein und konnten anscheinend auch nicht ihr Handwerkszeug auf den Comic übertragen. Auf die Idee, als weiteren Gast einen Comicexperten einzuladen, ist man jedoch nicht gekommen. So musste man sich wirklich fragen, warum Crumb sich das antut. Der jedoch war bester Laune, sehr ironisch und völlig frei vom Comic-üblichen Rechtfertigungszwang gegenüber der so genannten Hohen Kunst. Wie genau er es anstelle, witzige Comics zu machen, war eine der Fragen aus dem Publikum. Witzig sein sei gar nicht sein Ziel, antwortete Crumb. „Ich will zuallererst unterhalten“. Damit hat er auch diesen Abend gerettet.
Christian Meyer

„Robert Crumb im Museum Ludwig, Köln: 28.5. – 12.9.2004.
Katalog: Robert Crumb: „Yeah, but is it art?“. Drawings and Comics. Museum Ludwig, Köln/ Verlag der Buchhandlung Walther König, 2004

Zuerst erschienen in taz- NRW

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Ed Brubaker & Jason Lutes: Herbstfall

Jason Lutes arbeitet für gewöhnlich alleine, hat sich aber mit dem zeichnen dieses Intermezzos, das in den USA bereits 2001 erschienen ist, eine kurze Abwechslung gegönnt. Denn seit Jahren beschäftigt er sich schon mit dem akribisch recherchierten, ca. 600 Seiten umfassenden Historiencomic „Berlin“. Ein Projekt, das ihn voraussichtlich auch noch die nächsten Jahre in Beschlag nehmen wird.

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Ed Brubaker, der Autor von „Herbstfall“, ist vor allem aus dem Superhelden- und Krimi-Kontext bekannt. Er nähert sich thematisch an den stets an individueller Psychologisierung der Personen interessierten Lutes an: „Herbstfall“ ist ein Psychothriller um einen jungen, desorientierten Slacker, der in einen zehn Jahre zurückliegenden Mordfall verwickelt wird. Brubaker stellt auf spannende Art eine stimmungsvollen Kontrast zwischen den verwirrenden Ereignissen im Mordfall und dem etwas orientierungslosen Kirk her. Denn der wurde gerade von seiner Freundin verlassen, arbeitet angeödet in einer Tankstelle und muss mit seinem langweiligen, aber neugierigen WG-Bewohner zurechtkommen. Im klassischen Thriller-Modus rutscht der unbescholtene Kirk aus seinem ziellosen Leben, hinein in die beängstigende Welt des Verbrechens.
Schnell lernt der Leser die psychologischen Befindlichkeiten der Protagonisten kennen, ohne dass deren geheimnisvolle Aura verloren geht. Das ist gleichermaßen Brubakers wie Lutes Verdienst: Sie lassen einen mit dubiosen, die Story einleitenden Bildern regelrecht in die Geschichte stürzen, bis man sich wie Kirk, hastend in ihr verfängt. Die Story wird einerseits von den sich überschlagenden Ereignissen, andererseits von Lutes’ typischen, kleinen Panels schnell vorangetrieben. Mit seinem der ligne claire verwandtem, aber in Sachen Detailreichtum auf die Spitze getriebenem Stil, vermag er in wenigen Bildern auf eine Art klaustrophobische Gefühlswelten heraufzubeschwören, wie man es bereits von seinem Comicroman „Narren“ kennt.
Die Qualität dieser kleinen Geschichte wird allerdings dadurch etwas geschmälert, dass man gegen Ende deutlich das 48-Seiten Korsett spürt, in die sich die Autoren wohl fügen mussten. Das Ende erscheint wie im Zeitraffer und unsanft fällt man so schnell aus der Geschichte, wie man in sie hineingestürzt ist. So erscheint „Herbstfall“ zumindest im Falle Lutes mehr wie eine kleine Fingerübung eines Künstlers, der in größer angelegten Projekten seine Fähigkeiten besser zum Ausdruck bringen kann.

(Reprodukt, 48 Seiten, S/W, Softcover, 10 €)

Zuerst erschienen in Strapazin # 75, 06/04

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„Persepolis – Eine Kindkeit im Iran“ von Marjane Satrapi

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Der arabische Lebensraum ist für gewöhnlich kaum Thema in Comics. Daher ist „Persepolis – Eine Kindheit im Iran“ von Marjane Satrapi an sich schon ein Ereignis. Satrapi schildert in naiv anmutenden, kontrastreichen Zeichnungen ihre Kindheit im Iran – von der Unterdrückung durch den Schah bis zur Unterdrückung während der islamischen Revolution unter Khomeini und dem Iran-Irak-Krieg. Gar nicht bitter, sondern mit viel Humor bringt uns Satrapi die verzweifelte Lage der iranischen Bevölkerung nahe, die neben Repression und Tod aber immer auch Wege zum kleinen Glück – Feiern, Alkohol, Popmusik und sogar Poster von Iron Maiden – findet. Keine gewöhnliche Kindheit, in einem Land, dass aber nicht nur Fanatiker kennt. Ein zweiter Band „Jugendjahre“ ist in Planung.
(Edition Moderne)

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„Böse Zellen“ von Barbara Albert

Manu stürzt mit dem Flugzeug ab. Sie ist die einzige Überlebende des Unglücks. Sechs Jahre später verunglückt sie mit dem Auto. Sie ist die einzige Tote des Unfalls. Ihr soziales Umfeld lebt natürlich weiter. Zusammen, alleine – aber irgendwie anders als zuvor.

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„Böse Zellen“ ist eine Aneinanderreihung von locker montierten Szenen. Es Episoden zu nennen wäre zu hoch gegriffen. Es sind kurze Ereignisse: zwei Menschen treffen aufeinander, es wird geredet, geschlagen, gevögelt, gegessen, geschlafen, geweint. Oder: zwei Menschen treffen nicht aufeinander, ein Mensch bleibt alleine: es wird geschlafen, gegessen, geweint, vor sich hin gestarrt. Mit diesem ruhigen Reigen entfaltet sich eine Kartographie der verschiedenen Personen, die durch Manu direkt oder indirekt miteinander in Kontakt stehen. Die Kamera beobachtet ganz sachlich und nüchtern – fast vorsätzlich kühl, so kommt es einem vor – das Geschehen. Den Film durchweht ein kalter Luftzug, denn Wärme will sich trotz des offensichtlichen Wunsches aller Protagonisten zwischen den Menschen dauerhaft nicht einstellen. Warum das nicht? Weil, wenn das geschehen würde, ein Wunder in dieser Welt geschehen wäre. Glück und Liebe sind so kostbar wie sie selten sind – kleine Wunder. Oft greifbar nah, aber selten zu erreichen, geschweige denn lange zu halten.

In dieser Welt ist sogar die Liebe, geprägt von Abhängigkeitsverhältnissen, kälter als der Tod. Der Tod hingegen scheint ganz warm zu sein. Manchmal suggeriert die Kamera, wenn sie die hilflosen Wesen aus der Vogelperspektive in ihren kleinen Wohn-Zellen, die dann eher nach Gefängniszellen aussehen, etwas sensibler beobachtet, einen mitfühlenden Blick der Freundin, Mutter oder Ehefrau Manu. Gegen Ende, wenn Manus Freundin Andrea im Schneesturm sterben möchte, scheint die tote Manu sie anzuhauchen, ihr wieder Leben einzuhauchen und sie zu wecken. Diese Fantasie ist eine der wenigen tröstlichen des Films. Ansonsten wirft er einen mit unerbittlicher härte auf die Tatsache zurück, dass ein stabiles Gefühl von Sicherheit, Geborgenheit und Glück durch nichts garantiert werden kann und dass alle Versuche der Kompensation – durch Kaufrausch, Sex oder Glauben – das nicht überspielen können. Es bleiben einem nur ein paar ganz kurze schöne Momente, kleine Wunder, wenn man sie denn bemerkt.
(Bundesstart: 1.4.04)

Zuerst erschienen in choices 04/04

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„Blessing Bell“ von Sabu

Eine Fabrik: die Arbeiter stehen vor verschlossenen Türen. Der ebenfalls entlassene Igarashi startet einen schweigsamen Marsch durch die Stadt und begegnet dabei den unterschiedlichsten Menschen und gerät in die ungewöhnlichsten Situationen.
Ruhiges, kaleidoskopisches Gesellschaftsportrait

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Eigentlich kennt man Sabu – neben seiner Tätigkeit als Schauspieler für u.a. Takashi Miike – vor allem als Regisseur quirliger und stilistisch wechselhafter Yakuza-Filme. Mit seinem irrwitzigen Debut „D.A.N.G.A.N. Runner“ (´96) oder „Unlucky Monkey“ (´98) empfahl er sich als Meister der überraschenden wie kunstvollen Abschweifung. Sein neuer Film „Blessing Bell“ ist eine einzige, große Abschweifung. Insofern sind die Handlungs- und Stilbrüche hier wesentlich dezenter als in seinen früheren Filmen. Sabu selbst sagt, dass dieser Film vollkommen anders ist, als alles, was er bislang gemacht hat.

Igarashi streift, nachdem ihm gekündigt wurde, ziellos durch die Straßen der Stadt. Seine Wegstrecke ist der rote Faden, an dem die kleinen Geschichten des Films aufgezogen sind. Daher macht eine Nacherzählung des Plots wenig Sinn: „Blessing Bell“ erscheint mehr wie ein Episodenfilm, denn wie ein abendfüllender Spielfilm. Igarashi, engelsgleich, beeinflusst mit seiner stummen, passiven Präsenz Schicksale und führt Menschen zueinander (in einer solchen Nebenrolle ist als Hommage an Sabus großes Vorbild der Regisseur Seijun Suzuki zu sehen). Daneben ist die Ästhetik des Films das einzig verbindende Element zwischen den Szenen: Kameramann Masao Nakabori ist ein Meister des kunstvollen Bildausschnitts. Er lässt die häufig zu Stills eingefrorenen, langen Einstellungen zu einem Genuss werden. Man kann sich an den Bildern, die nicht selten wie eine Mischung der Inszenierten Fotografie eines Jeff Wall und dem überhöhtem Doku-Stil eines Andreas Gursky aussehen, kaum satt sehen. Und die Ruhe, die die Bilder ausstrahlen, lassen dem Zuschauer Zeit für kleine Meditationen zum Gesehenen.
Wenn schließlich der Manierismus des schweigenden Igarashi (gespielt von Susumu Terajima mit Buster Keaton’schem ‚stone face’) gegen Ende des Films droht, zu penetrant zu werden, zieht Sabu die Notbremse beziehungsweise legt im wörtlichen Sinn den Rückwärtsgang ein und endet dann mit einer befreienden, so geschwätzigen wie albernen Überraschung. Alleine für diese Szene muss man den Film lieben.
(Bundesstart: 11.3.04)

Zuerst erschienen in choices 03/04

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Can DVD

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Die wegweisendste, einflussreichste und legendärste Kölner Rockband der Geschichte? Nein – der Name beginnt natürlich nicht mit „B“ wie Bap, Bläck Föös oder Brings! Man muss einen Buchstaben im Alphabet weiterrücken um bei „C“ wie Can zu landen …

„Can DVD“ weiterlesen

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KunstFilmBiennale 2003, Köln

Kunst im Kino

Nach einem erfolgreichen „Vorspiel“ Ende letzten Jahres fand vom 26.Oktober bis zum 2. November in Köln die erste reguläre KunstFilmBiennale mit internationalem Wettbewerb statt. Die Schnittstelle zwischen Bildender Kunst und Film in Form von Künstlerfilm, Kunst im Film und Film über Kunst war Thema des einwöchigen Film-Festivals, auf dem rund 180 Filme gezeigt wurden.

„KunstFilmBiennale 2003, Köln“ weiterlesen