Kategorie: Film

„Die fetten Jahre sind vorbei“ oder „Sie haben zu viel Geld“ lauten die Botschaften, die die beiden linken Aktivisten Jan und Peter bei ihren nächtlichen Streifzügen durch Villen hinterlassen. Geklaut wird jedoch nichts, sie stellen nur die Einrichtung auf den Kopf. Als Jan bei einem Streifzug mit Peters Freundin Jule auf den Besitzer trifft, gerät ihre Aktion außer Kontrolle. Zu dritt entführen sie ihn…

„„Die fetten Jahre sind vorbei“ von Hans Weingartner (Review & Interview)“ weiterlesen

Der trunksüchtige Tresorknacker Willie T. Stokes ist Kaufhaus-Weihnachtsmann, sein kleinwüchsiger Kollege Marcus mimt den Kobold. Doch das alles ist nur Tarnung für ihre nächtlichen Raubzüge. Als ein kleiner, dicker Junge, der sich partout nicht davon abbringen lassen will, an den Weihnachtsmann zu glauben, auftaucht, wird’s kompliziert…

Eine solche „Klamotte“ war von Terry Zwigoff nicht gerade zu erwarten. Der mehrfach ausgezeichnete Regisseur machte bislang mit ganz anderen Filmen von sich reden: 1994 überraschte er Kritik und Publikum mit dem großartigen Dokumentarfilm „Crumb“ über Robert Crumb, die Ikone des US-amerikanischen Underground-Comics – der Film war seiner Zeit der dritterfolgreichste Dokumentarfilm aller Zeiten. Auch sein nächster Film, der Spielfilm „Ghost World“, hatte mit Comics zu tun, handelte es sich doch um die gelungene Adaption von Daniel Clowes gleichnamigen Comic um das Leben zweier Mädchen in den öden Suburbs der USA. Clowes wird auch Co-Autor seines nächsten Films „Art School Confidential“ sein.

Bad Santa, sein aktueller, von den Coen-Brüdern produzierter Film, hat mit Comics nicht am Hut, es sei denn man charakterisiert die dort gezeigten Übertreibungen als ‚comichaft’. Billy Bob Thornton weiß als trunksüchtiger, fluchender und nicht zuletzt krimineller Weihnachtsmann zu überraschen. Spaß an der Übertreibung wird er beim Dreh gehabt haben: wenn er nicht versoffen in Bars rumhängt, sieht man den von ihm verkörperten Willie Stokes entweder fluchend mit kleinen Rotzlöffeln auf dem Schoß oder hintenüberkippend in seiner eigenen Kotze versinkend. Die zunächst verbalen, dann zunehmend körperlicher werdenden Gefechte zwischen Thornton und seinem kleinwüchsigen Partner Tony Cox sind herrlich derbe. Wenn sich dann noch der 8jährige Brett Kelly als der unbeirrt an den Weihnachtsmann glaubende Thurman zu diesem ungleichen Paar gesellt, ist das an Absurdität kaum zu überbieten. Es ist etwas gemein, aber Kelly kassiert als kleiner, dicker, rothaariger Junge alleine schon mit seinem Aussehen reichlich Lacher. Wenn er dann noch in unnachahmlicher Beharrlichkeit wider alle Bösartigkeiten des Gegenübers mit treudummem, bewegungslosem Gesichtsausdruck Stokes anstarrt, ist das an Komik kaum zu überbieten. Trotz aller Exzentrik gibt es aber auch bei Zwigoff eine Art Happy-End – es ist ja schließlich ein Weihnachtsfilm.
(Bundesstart: 18.11.04)

Zuerst erschienen in choices 11/04

Wandernde Schatten, hinkende Zeit

Julien, ein zurückgezogen lebender Uhrmacher, erpresst die Stoffhändlerin Madame X. Als er die geheimnisvolle Marie kennen lernt, verändert sich sein Leben, aber nicht seine erpresserische Ader. Nun erpressen Marie und Julien gemeinsam Madame X. Die jedoch scheint Maries Geheimnis zu kennen.

Mit 75 Jahren macht Jacques Rivette, der Sonderling unter den Sonderlingen, der Solitär unter den Regisseuren der Nouvelle Vague, seinen 25. langen Spielfilm. ‚Lang’ musste man bei ihm immer schon besonders wörtlich nehmen: im Vergleich zu dem 210minütigen Film „Die schöne Querulantin“, Rivettes letzter Film mit Emmanuelle Beart, nimmt sich deren aktuelle Zusammenarbeit „Die Geschichte von Marie und Julien“ zwar recht kurz aus, doch 150 Minuten sind auch noch eine lange Zeit im Kinosaal. Erst recht, wenn das, was man gemeinhin als die Handlung bezeichnet, relativ einfach in zwei Sätzen rekapituliert werden kann.

Relativ einfach? Das wäre es vielleicht, wenn man es bei den Filmen von Jacques Rivette mit narrativen Kunstwerken zu tun hätte. Das ist aber nicht im klassischen Sinn der Fall. Stattdessen sieht man lediglich, wie sich 3-4 Personen in wechselnden Zweierkonstellationen beäugen, beschnuppern und abschätzen, erzählt in vier Kapiteln, die die Perspektive und den Schwerpunkt variieren („Julien“; Julien und Marie“; „Marie und Julien“, Marie“): Julien trifft Marie, sie zieht bei ihm ein, sie leben miteinander. Julien trifft Madame X, sie verhandeln miteinander, trennen sich wieder. Madame X trifft ihre Schwester, sie verzeihen einander, trennen sich wieder. Marie trifft diese Schwester, sie reden miteinander, trennen sich wieder. Dazwischen und währenddessen: Maries Erscheinung und Verhalten ist geheimnisvoll, Julien versucht das zu verstehen. Und wir, im Kinosaal, versuchen das auch.

Rivette hatte immer schon eine Neigung zum Geheimnisvollen, Mystischen, ohne deshalb in die entsprechenden Genres zu gleiten. Denn er bedient sich nicht dieser Elemente, um dramatische Effekte zu erzielen, uns zu erschrecken. Was wir sehen, sieht nämlich sehr nach Alltag aus. Nein, diese Elemente schleichen sich in seine Filme, weil er dort dem Leben, und das ist geheimnisvoll, mit einer großen Intensität nachspürt. Diese Intensität hat auch mit der Länge der Filme zu tun, mit der (Aus-)Dauer und der Ruhe, aber nicht nur. Entscheidend für diese Intensität ist vor allem Rivettes Arbeitsweise: Er hat seit seinen ersten Filmen der Improvisation großen Raum eingeräumt. Das führt dazu, dass er die Momente des Zufalls stark in seine Filme integriert. Der Zufall, das Ungeplante, ist lebendig, während das geplante Kunstwerk (und so auch Genres) eine eher statische Konstruktion ist. Rivette nimmt sich als konstruierenden Künstler, als intendierenden Autor, sehr zurück. Er kommt damit von der Produzentenseite einem Kunstverständnis entgegen, das die Rezeption als eine das Kunstwerk erst konstituierende Praxis aufwertet und die Produktion lediglich als vage Vorgabe für diese Leistung sieht: Rezeptionsästhetik kontra Werkästhetik! All die Details – durch die Schauspieler, die Kamera oder das Licht bedingte Nuancen der Geschichte – sind also nicht zwingend Absichten des Regisseurs, die durch ihn in der Geschichte eine bestimmte Bedeutung erhalten. Aber sie sind da! Und sie haben eine Bedeutung, sogar viele Bedeutungen! Die kann jeder Zuschauer für sich finden – 150 Minuten und länger hat er Zeit dafür, vage geleitet von einigen (mystischen) Ereignissen, stimmungsvoll kreisenden Schattenwürfen und asynchronem Uhrenticken. Auf dass man ein wenig die rationale Perspektive verliert, in einer Geschichte um Leben und Tod, die letztendlich nur auf das eine, alles Irdische überwindende Gefühl abzielt: die Liebe.

Die „Geschichte von Marie und Julien“ umgibt übrigens auch im wirklichen Leben ein Geheimnis. Die Geschichte von „Marie und Julien“ hat Rivette bereits in den 70er Jahren drehen wollen. Nach dem zweiten Drehtag verschwand er aus bislang ungeklärten Gründen für längere Zeit. Nun hat er, nachdem alte Aufzeichnungen wieder aufgetaucht sind, den Film endlich gedreht. Nein – natürlich einen ganz anderen.
(Bundesstart: 26.8.2004)

Zuerst erschienen in choices 08/04

Das Wunder im Maisfeld

Die naive Putzfrau Paula verliebt sich auf der Arbeit in den türkischen Wachmann Mustafa. Als der von seinem Vater in die Türkei geschickt wird, entschließt sich Paula, den Mann ihres Herzens dort, in der Millionenstadt Adana, ohne Adresse zu suchen …

„„Wenn der Richtige kommt“ von Oliver Paulus und Stefan Hillebrand“ weiterlesen

Takeshi Kitano findet zurück zu alter Meisterschaft

Der blinde Samurai Zatoichi verdingt sich als Masseur. In einem kleinen Bergdorf trifft er auf die Ginzo-Gang, die gerade den Samurai Hattori als Leibwächter engagiert hat. Als das Unrechtsregime der Gang immer skrupelloser wird, greift der blinde Samurai ein und gibt zu erkennen, dass er ein ungewöhnlich guter Kämpfer ist …

„„Zatoichi – Der blinde Samurai“ von Takeshi Kitano“ weiterlesen

Manu stürzt mit dem Flugzeug ab. Sie ist die einzige Überlebende des Unglücks. Sechs Jahre später verunglückt sie mit dem Auto. Sie ist die einzige Tote des Unfalls. Ihr soziales Umfeld lebt natürlich weiter. Zusammen, alleine – aber irgendwie anders als zuvor.

„Böse Zellen“ ist eine Aneinanderreihung von locker montierten Szenen. Es Episoden zu nennen wäre zu hoch gegriffen. Es sind kurze Ereignisse: zwei Menschen treffen aufeinander, es wird geredet, geschlagen, gevögelt, gegessen, geschlafen, geweint. Oder: zwei Menschen treffen nicht aufeinander, ein Mensch bleibt alleine: es wird geschlafen, gegessen, geweint, vor sich hin gestarrt. Mit diesem ruhigen Reigen entfaltet sich eine Kartographie der verschiedenen Personen, die durch Manu direkt oder indirekt miteinander in Kontakt stehen. Die Kamera beobachtet ganz sachlich und nüchtern – fast vorsätzlich kühl, so kommt es einem vor – das Geschehen. Den Film durchweht ein kalter Luftzug, denn Wärme will sich trotz des offensichtlichen Wunsches aller Protagonisten zwischen den Menschen dauerhaft nicht einstellen. Warum das nicht? Weil, wenn das geschehen würde, ein Wunder in dieser Welt geschehen wäre. Glück und Liebe sind so kostbar wie sie selten sind – kleine Wunder. Oft greifbar nah, aber selten zu erreichen, geschweige denn lange zu halten.

In dieser Welt ist sogar die Liebe, geprägt von Abhängigkeitsverhältnissen, kälter als der Tod. Der Tod hingegen scheint ganz warm zu sein. Manchmal suggeriert die Kamera, wenn sie die hilflosen Wesen aus der Vogelperspektive in ihren kleinen Wohn-Zellen, die dann eher nach Gefängniszellen aussehen, etwas sensibler beobachtet, einen mitfühlenden Blick der Freundin, Mutter oder Ehefrau Manu. Gegen Ende, wenn Manus Freundin Andrea im Schneesturm sterben möchte, scheint die tote Manu sie anzuhauchen, ihr wieder Leben einzuhauchen und sie zu wecken. Diese Fantasie ist eine der wenigen tröstlichen des Films. Ansonsten wirft er einen mit unerbittlicher härte auf die Tatsache zurück, dass ein stabiles Gefühl von Sicherheit, Geborgenheit und Glück durch nichts garantiert werden kann und dass alle Versuche der Kompensation – durch Kaufrausch, Sex oder Glauben – das nicht überspielen können. Es bleiben einem nur ein paar ganz kurze schöne Momente, kleine Wunder, wenn man sie denn bemerkt.
(Bundesstart: 1.4.04)

Zuerst erschienen in choices 04/04

Eine Fabrik: die Arbeiter stehen vor verschlossenen Türen. Der ebenfalls entlassene Igarashi startet einen schweigsamen Marsch durch die Stadt und begegnet dabei den unterschiedlichsten Menschen und gerät in die ungewöhnlichsten Situationen.
Ruhiges, kaleidoskopisches Gesellschaftsportrait

Eigentlich kennt man Sabu – neben seiner Tätigkeit als Schauspieler für u.a. Takashi Miike – vor allem als Regisseur quirliger und stilistisch wechselhafter Yakuza-Filme. Mit seinem irrwitzigen Debut „D.A.N.G.A.N. Runner“ (´96) oder „Unlucky Monkey“ (´98) empfahl er sich als Meister der überraschenden wie kunstvollen Abschweifung. Sein neuer Film „Blessing Bell“ ist eine einzige, große Abschweifung. Insofern sind die Handlungs- und Stilbrüche hier wesentlich dezenter als in seinen früheren Filmen. Sabu selbst sagt, dass dieser Film vollkommen anders ist, als alles, was er bislang gemacht hat.

Igarashi streift, nachdem ihm gekündigt wurde, ziellos durch die Straßen der Stadt. Seine Wegstrecke ist der rote Faden, an dem die kleinen Geschichten des Films aufgezogen sind. Daher macht eine Nacherzählung des Plots wenig Sinn: „Blessing Bell“ erscheint mehr wie ein Episodenfilm, denn wie ein abendfüllender Spielfilm. Igarashi, engelsgleich, beeinflusst mit seiner stummen, passiven Präsenz Schicksale und führt Menschen zueinander (in einer solchen Nebenrolle ist als Hommage an Sabus großes Vorbild der Regisseur Seijun Suzuki zu sehen). Daneben ist die Ästhetik des Films das einzig verbindende Element zwischen den Szenen: Kameramann Masao Nakabori ist ein Meister des kunstvollen Bildausschnitts. Er lässt die häufig zu Stills eingefrorenen, langen Einstellungen zu einem Genuss werden. Man kann sich an den Bildern, die nicht selten wie eine Mischung der Inszenierten Fotografie eines Jeff Wall und dem überhöhtem Doku-Stil eines Andreas Gursky aussehen, kaum satt sehen. Und die Ruhe, die die Bilder ausstrahlen, lassen dem Zuschauer Zeit für kleine Meditationen zum Gesehenen.
Wenn schließlich der Manierismus des schweigenden Igarashi (gespielt von Susumu Terajima mit Buster Keaton’schem ‚stone face’) gegen Ende des Films droht, zu penetrant zu werden, zieht Sabu die Notbremse beziehungsweise legt im wörtlichen Sinn den Rückwärtsgang ein und endet dann mit einer befreienden, so geschwätzigen wie albernen Überraschung. Alleine für diese Szene muss man den Film lieben.
(Bundesstart: 11.3.04)

Zuerst erschienen in choices 03/04

Zeitalter der Dunkelheit

Eine Mutter irrt mit ihren beiden Kindern durch eine ländliche Gegend, die von einer unbestimmten Katastrophe gezeichnet ist: Tiere verenden, das Trinkwasser ist rar, die Menschen rotten sich zu kleinen Gruppen zusammen, um das Überleben zu sichern. Düsteres, ergreifend schlicht gestaltetes Endzeitszenario …

„„Wolfzeit“ von Michael Haneke“ weiterlesen

Mit Gewalt gegen die Großen

Gerade ist „Dolls“, der neue, bildgewaltige Film von Takeshi Kitano, in den deutschen Kinos angelaufen. Kitano, den japanischen Tausendsassa, kennt man inzwischen auch hierzulande. Seine Spielfilme sind außergewöhnliche Gratwanderungen zwischen exzessiven Gewaltausbrüchen und außerordentlich sensiblen Bildkompositionen. Dass seine Filme spätestens seit „Sonatine“ (1993, zeitverzögert in den deutschen Kinos) eine große Fangemeinde gewonnen haben, ist unter anderem dem kleinen Kölner Filmverleih Rapid Eye Movies (R.E.M.) zu verdanken. Der Verleih wurde vor sieben Jahren von Antoinette Köster, Stephan Holl und Sigrid Limprecht, die zugleich Geschäftsführerin der Bonner Kinemathek ist, gegründet. Gestartet hat man mit dem Anime „Ghost in the Shell“ und damit gleich ein ganzes Genre ins hiesige Bewusstsein gerückt. Denn von Anfang an wollte man „filmisches Neuland betreten“, wie Stephan Holl berichtet. Seitdem hat Rapid Eye Movies pro Jahr fünf bis zehn Filme in die deutschen Kinos gebracht, darunter solch außergewöhnliche und schockierende Arthouse-Filme wie Takashi Miikes feministischen Splatterfilm „Audition“ oder den nicht minder drastischen Liebesfilm „The Isle“ von dem Koreaner Ki-Duk Kim. Derartige Filme, die sowohl thematisch als auch ästhetisch die Grenzen des gewöhnlichen Kinobetriebs sprengen, sind durchaus repräsentativ für das Programm von R.E.M., wo man „immer auf der Suche nach dem, was einen fordert und weiterbringt“ ist, so Holl. Aber es gibt durchaus auch leichtere Kost – vor Genre- und Trashfilmen schreckt man bei R.E.M. nicht zurück. Solange die Filme einen eigenen Ansatz erkennen lassen bzw. dem jeweiligen Genre etwas neues einhauchen, darf „auch mal ein Partymovie“ im Programm auftauchen. Das gilt vor allem für den Video- und DVD-Bereich, der zur Zeit mit Hilfe neuer Vertriebspartner ausgebaut wird. Dort wird demnächst auch der Bollywood-Film „Sometimes Happy, Sometimes Sad“ erscheinen. Das indische Epos mit vielen Tanz-, Gesang- und vor allem Heulszenen war dank R.E.M. im Frühling dieses Jahres der erste in Deutschland adäquat gezeigte Film seiner Art. Das ein vierstündiges „Musical“ aus Indien hier trotzdem nicht zu den Kassenschlagern zählt, verwundert aber niemanden. Finanzierbar sind solche Liebhaber-Eskapaden nur durch sekundäre finanzielle Unterstützung. Neben der Filmstiftung NRW, ohne die sich der Verleih nach eigenen Angaben nicht hätte etablieren können, trägt sich das Unternehmen mit Hilfe von Fernsehlizenzen. Vor allem der WDR ist da ein verlässlicher Partner: die Finanzierung von „Dolls“ war nur mit einer gleichzeitigen Zusage des Kölner Senders, die Fernsehrechte zu erwerben, möglich. So ist neben dem Kinoverleih und dem Video/DVD-Markt das Fernsehen das dritte Standbein von R.E.M., das hoffen lässt, dass dieser kleine, spezialisierte Verleih den großen aber meist profillosen Filmverleihen auch auf Dauer Paroli bieten kann.
Christian Meyer

Zuerst erschienen: Zeitung der Kunstfilmbiennenale Köln 2003

Don’t fuck with Grace!

Auf der Flucht vor Gangstern kommt Grace in das kleine Dorf Dogville. Dort versteckt man sie, und sie wird im Kreise der Dorfgemeinschaft freundlich aufgenommen. Als das Risiko für die Einwohner des Dorfs zunimmt, beginnen sie, Forderungen an Grace zu stellen. Die anfänglich freundliche Stimmung kippt…

„„Dogville“ von Lars von Trier“ weiterlesen

Die frühen 80er Jahre, Ingo und Nadja: Sie wollen eigentlich ruhige Wochen in einer Skihütte verbringen und ihre verfahrene Beziehungskiste zurechtrücken. Doch da tauchen Freunde von Nadjas politisch aktivem Bruder auf, und mit der Ruhe ist es schnell vorbei …

„„Sie haben Knut“ von Stefan Krohmer“ weiterlesen

Olivier arbeitet als Meister in einer Schreinerei für schwer erziehbare Jugendliche. Von seiner Frau lebt er getrennt, der gemeinsame Sohn wurde vor 5 Jahren bei einem Raubmord erwürgt. Dann komm Francis neu in die Werkstatt: er ist der Mörder von Oliviers Sohn!

Der Plot von „Der Sohn“ klingt schwer nach Krimi. Tatsächlich sieht der Zuschauer aber eine merkwürdige Melange aus Suspense á la Hitchcock und einer schlichten Fernsehreportage. Das auseinander zu bröseln ist gar nicht so einfach: das simple Setting der Schreinerei und der Wohnung Oliviers, versetzt mit einigen Außenaufnahmen, liefert wahrlich keinen geeigneten Hintergrund für Psychospiele. Olivier, ein zunächst so unglaublich gewöhnlicher, fast langweiliger Mensch, auch nicht. Entscheidend ist hier wieder ein mal nicht das ‚was’, sondern das ‚wie’! Olivier Gourmet stattet die Figur Oliviers mit einer inneren Unruhe und einer äußeren Hast aus, die ihn zunehmend zum sichtbar Getriebenen macht. Verstehen kann man das erst mal nicht. Genau darum verunsichert es einen. Wenn man dann die Hintergründe erfährt, ängstigt es einen. Olivier Gourmet spielt vollkommen grandios – weniger als das Superlativ ist da nicht drin!
Die klaustrophobische, extrem aufdringliche Nähe der Kamera, die den Figuren regelrecht zu Leibe rückt, steigert diese (An-)Spannung ins unermessliche. Die Kamera beobachtet akribisch genau. Trotzdem bleibt fast alles im Offenen. Dies Paradox ist eine große, wohltuende Kunst! Was warum passiert bzw. warum die Personen handeln, wie sie handeln, könnte man wahrscheinlich auch kaum erklären, selbst wenn man wollte. Doch gerade dadurch, dass nur gezeigt wird, eröffnet der Film eine immens große Projektionsfläche für den Zuschauer. Die kann und soll er füllen. Und nicht nur er, denn selbst die Regisseure, die Brüder Jean-Pierre und Luc Dardenne („Rosetta“) – lange Jahre waren sie Dokumentarfilmer – sind sich des Spektrums ihres Films anscheinend nicht ganz bewusst. Nach 11/2 Jahren Arbeit stellen sie in den Arbeitsnotizen fest:“ Der Film heißt „Der Sohn“. Er könnte auch heißen „Der Vater““.
(Bundesstart: 12.6.2003)

Film Nummer Eins

Ein Mann schleppt sich hinkend durch das karge Hochland Mexikos. Er komme, antwortet er den Dorfbewohnern, um sich umzubringen. Doch den Städter verändern die Landschaft und die Bewohner dieser Gegend. Vor allem die Begegnung mit einer alten Frau weckt neue Lebensgeister in ihm.

„„Japón“ von Carlos Reygardas“ weiterlesen