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Das Album versammelt vier Kurzgeschichten, darunter zwei sehr knappe mit jeweils 2- und 4-Seiten. Die Geschichten kreisen um die Themen Liebe und Erinnerung, stets sehr symbolhaft und ausgeschmückt in allegorischen Bildern. Wartende auf dem Flughafen, reisende im Zug – das sind die Ausgangspunkte für Meditationen über die Liebe in der Ferne, trotz der Ferne, wegen der Ferne, auch mal ohne Nähe.

Die Entstehung von Mattottis jüngstem Werk „Briefe aus ferner Zeit“ konnte man bereits Anfang des Jahres in einer Folge einer 7-teiligen Comic-Serie auf Arte mitverfolgen. Dort wurde Mattotti bei der Arbeit zu dem Album über die Schulter geschaut und die Ansicht, die meisten seiner Panels könnten auch als eigenständige Gemälde funktionieren, bestätigt: einige sind oder werden leicht umgearbeitet tatsächlich Gemälde, und da der Text häufig am Rand des Bildes angeordnet ist, unterscheiden sie sich auch kaum von Mattottis ausschließlich als Gemälde konzipierten Bildern.

Doch hat „Briefe aus ferner Zeit“ eine nähere Bindung an das Genre des klassischen Comics als man zunächst, bei aller Gemäldehaftigkeit der Bilder, meinen könnte. Viele Panels kommen ohne Sprechblasen aus, manche lassen sogar die Textbegleitung ganz missen, aber Sprechblasen sind nach wie vor ein wichtiger Bestandteil in Mattottis Arbeit. Und mit der Titelgeschichte widmet er sich nicht nur einem im Comic präsenten Genre, der Science Fiction, sondern fährt auch zitatenhaft Abenteuercomics eines gewissen Lucio Mazzotti (daraus darf man wohl eine Anspielung auf Mattotti lesen) auf. Allerdings wird dem Verweis dann wieder ein romantisches Gemälde aus dem 19. Jahrhundert entgegen gesetzt. Mattotti macht es sich mit seiner narrativen, an Francis Bacon aber auch Neue Sachlichkeit erinnernden Kreidemalerei eben immer zwischen beiden Stühlen gemütlich: Kunst und Comic gut durchmischt.
(Schreiber & Leser, 64 Seiten, Farbe, Hardcover, 19,95€)

Zuerst erschienen in Strapazin # 79, 6/05

Der niederländische Comic-Künstler und Illustrator Hanco Kolk ist vor allem durch seine franco-belgischen Funnies bekannt. Und in der ersten Hälfte der 90er Jahre wurde er bereits mit zahlreichen Preisen überhäuft. Doch von all dem weiß man als deutschsprachiger Comicfan – des Niederländischen nicht mächtig – wenig. Auf Deutsch sind von ihm bislang nämlich nur die ersten beiden Alben seiner Mini-Serie „Meccano“ erschienen. Und die zeigen ein ganz anderes Bild des Zeichners: kunstvolle Abstraktionen mit abgründigen Untertönen erwarten hier den Leser.

Diesem Stil entspricht auch Kolks neues Werk, das auf Englisch erscheinende Album „Club Paradise“. War es bei „Meccano“ vor allem der Zeichenstil, der Aufmerksamkeit erregte, ist es bei „Club Paradise“ das Konzept. Die Story spielt sich nur auf den rechten Seiten des Heftes ab: Ein Zeichner – offensichtlich Kolk selbst – reist in die USA, um neue Erwerbsmöglichkeiten aufzutun. Schlechtes Timing, wie er selbst bemerkt, denn es ist Mitte Oktober 2001, und die Stadt liegt noch im Terror-Trauma. Da ist mit gezeichneten Gags nicht gut Geld verdienen. Also hängt er in Cafés und Bars rum, beobachtet die Leute, macht Skizzen, landet schließlich in einem Strip-Club, macht auch dort Skizzen, recherchiert unter den Tänzerinnen für eine Story und kommt so schließlich zu dem vorliegenden Album.
Kolk erzählt – wie gesagt: nur auf den rechten Seiten –die Geschichte in lakonischen und selbstironischen Texten und Bildern ohne Rahmung. Mal sind zwei bis drei kleinere Zeichnungen locker auf einer Seite angeordnet, mal nur eine einzige. Die Comic-Strip artigen Figuren sind stark stilisiert und in nur wenigen, stark konturierenden Strichen angedeutet. Dahinter liegen jeweils größere, sich teilweise über die gesamte Seite erstreckende farbige Skizzen in raschen, groben Strichen, die als die Skizzen des Protagonisten zu deuten sind. Dadurch erfährt die Erzählung eine atmosphärische Ergänzung, die die Geschichte aus der Comic-Strip-Ästhetik heraushebt. Dass auf der jeweils linken Seite des Albums zudem eine große Zeichnung von je einer der Tänzerinnen des Titel gebenden Clubs zu sehen ist (Picasso überdeutlich als großes Vorbild), ergänzt die kurzweilige Geschichte um eine Katalog ähnliche Bildersammlung.
(Oog en Blik Editions, Farbe u. S/W, Softcover, 56 Seiten, 19,95 €)

Zuerst erschienen in Strapazin # 79, 6/05

Das Cover macht schon mal deutlich: es ist kein gewöhnlicher Comic, den uns die beiden schwedischen Comiczeichner Max Andersson und Lars Sjunnesson hier auftischen: ein grobpixeliges Foto eines verwesten Kopfes mit einem Augapfel und Militärmütze lädt den Leser auf eine surrealistische Reise ins Bosnien der Kriegswirren ein. Andersson und Sjunnesson werden auf einem Comic-Kongress von einem alten slowenischen Studienkollegen kontaktiert, der ihnen seine brisanten Kriegstagebücher zum Verkauf anbietet. Im Folgenden irren unsere Helden durch das zerbröselte ehemalige Jugoslawien und begegnen der verwesten Leiche Titos, unterirdischen Eisfabriken, militanten Srebrenicafrauen, Tito-Zombies und den titelgebenden, mutierten Hunden.

Wer sich da an Chester Browns ersten großen Comic-Roman, „Ed the happy Clown“, erinnert fühlt, liegt nicht falsch: auch die Geschichte um die beiden schwedischen Zeichner im ehemaligen Jugoslawien ist voller absurder Wendungen, oft von solider Geschmacklosigkeit und hangelt sich alptraumhaft von einem wilden Szenario in das nächste, noch wildere. Politische Zusammenhänge werden hier bewusst fahrlässig in eine stürmische Odyssee überführt, die den tatsächlichen Alptraum und die Logik des Krieges sicherlich adäquater Umsetzen als es eine ‚realistische’ Darstellung könnte, die einen objektiven, verstehenden Standpunkt behauptet, wo es keinen gibt.

Andersson und Sjunnesson fungieren gleichermaßen als Autoren und Zeichner und verlassen dabei die herkömmliche Arbeitsaufteilung so sehr, „dass sie selber nicht mehr wissen, wer was gemacht hat“, wie der Klappentext verrät. Das führt zu sprunghaften Orts- und Ereigniswechseln und wohl auch zu den extrem vielteiligen und durch viele Schraffuren extrem düsteren Zeichnungen. Eine visuelle Unübersichtlichkeit, mit der die nicht minder verwirrenden Geschehnisse treffend dargestellt werden.

Der Band mit der vierteiligen Geschichte „Bosnien Flat Dog“, einem One-Pager, der die Autoren direkt zu Wort kommen lässt und einem nicht minder absurden, aber auch scharfsichtigen Glossar wird ergänzt durch die Kurzgeschichten „Onkel Skledar – Der Kotzfilm“ und „Traktor-Girl und das Haustier“. Eine Geschichte, die den großen Humanismus hinter all der Perversion der beiden Schweden durchscheinen lässt.
(Reprodukt, 86 Seiten; S/W, Softcover, 17 Euro)

Zuerst erschienen in Strapazin # 78, 03/05

Mit dem ersten Teil von „Persepolis“, auf der Frankfurter Buchmesse als Comic des Jahres ausgezeichnet, hatte die gebürtige Iranerin von ihrer Kindheit im Iran berichtet. Nicht minder beeindruckend sind ihre Erinnerungen an die Jugend. In „Jugendjahre“ erzählt sie von ihrem Exil in Österreich und der Rückkehr in den Iran. Der Comic lebt von dem Kontrast zwischen zeichnerischer Naivität und erzählerischer Genauigkeit und gewährt Einblicke in eine zerrissene, heimatlose Seele.
(Edition Moderne)

Es mutet an wie die Comic-Version eines Films von Michael Moore: Joel Andreas Sachcomic „Süchtig nach Krieg“ ist eine profunde Sammlung an Zahlen und Fakten zum US-amerikanischen Imperialismus seit der Gründung der Staatenunion, die an ironischen Spitzen nicht spart. Doch wo man einem Film wie „Super Size Me“ durchaus das Michael Moore Syndrom unterstellen kann, muss man bei Andreas Sachcomic vom Vorwurf des Epigonentums Abstand nehmen, da der Band bereits 1992 erstmals anlässlich des ersten Irak-Krieges erschienen ist. Zehn Jahre später wurde das Album anlässlich des Afghanistan-Krieges aktualisiert. Nach dem zweiten Irakkrieg fügte Andreas im Frühling 2004 nochmals eine Ergänzung hinzu. Auf dieser letzten Fassung basiert die erste deutsche Übersetzung.
„Süchtig nach Krieg“ ist weniger als ästhetisches Kunstwerk von Interesse, denn es handelt sich hier überwiegend um bebilderte Texte, die allerdings in Panels gegliedert sind. Die Zeichnungen sind schlicht und erinnern an Cartoons in Schulbüchern. Damit ist der didaktische Anspruch offensichtlich und das Album steht deutlich mehr in der Tradition von illustrierten Büchern oder politischen Cartoons denn von neuzeitlicher Comic-Kunst. Man will wohl über diese leicht zu konsumierende Form eine große Zahl an Lesern, vor allem Schülern erreichen – ein durchaus akzeptables Ziel.

Die Fülle an Informationen ist dennoch erschlagend: Andreas liefert zu Beginn einen fundierten Abriss der kolonialistischen Bestrebungen der USA bis in die heutige Zeit, bevor er in einzelnen Kapiteln die Verwicklungen von Politik, Militär, Wirtschaft und Medien beschreibt und die daraus resultierenden Auswirkungen auf die Sozialpolitik der USA. Damit macht er schnell klar, weshalb der Untertitel „Warum die USA nicht aufhören können, Krieg zu führen“ lauten muss. Nicht können statt nicht wollen! Denn die beschriebenen Strukturen lassen längst keine freie Entscheidung mehr zu: zwischen eigenem Selbstbild und kapitalistischer Notwendigkeit könnte auch ein moderater Präsident nur in Nuancen anders handeln. Das ist keine schöne Erkenntnis, zeigt aber klar und schonungslos die strukturellen Zusammenhänge der US-Politik. Vorwürfe bzgl. eines etwas einseitigen Anti-Amerikanismus bedient der Comic sicherlich. Der Verlag Zweitausendeins ist ja bekannt dafür und die Gefahr, schnell auch beim Anti-Zionismus zu landen ist groß – es ist kein Zufall, dass gerade Zweitausendeins auch Joe Saccos großartige Comic-Reportage „Palästina“ veröffentlicht hat. Nichts desto Trotz sind dies Wahrheiten, die benannt werden sollten. Die Gefahr, sich dabei auch falsche Freunde zu machen, gibt es immer. Die das fürchten, können dem ja Comics über palästinensische Terrorakte oder die Deutsche Machtpolitik entgegensetzen. Die eigene Meinung muss man sich immer aus verschiedenen Quellen zusammenbasteln.
(Zweitausendeins. 76 Seiten, S/W, Softcover, 7,50Euro)

Zuerst erschienen in Strapazin Nr. 77, 04/04

Zwei neue Serien von Joann Sfar auf Deutsch

Es gibt zwei entscheidende Unterschiede zwischen französischen und deutschen Comiczeichnern: erstens verkaufen die Franzosen wesentlich mehr Hefte (Sfars „Die Katze des Rabbiners“ wurde in Frankreich rund 250.000 verkauft); zweitens machen die Franzosen wesentlich mehr Hefte. Wirft man einen Blick auf die Bibliografien von Joann Sfar oder Kollege Trondheim, dann müssen die wohl rund um die Uhr und ausschließlich wie die Blöden zeichnen. Joann Sfar kann mit seinen 33 Jahren rund 90 Hefte, an denen er beteiligt war, vorweisen, die wenigsten davon – wie beispielsweise Sfars und Trondheims gemeinsames Großprojekt „Donjon“ – erscheinen auf Deutsch. Der ambitionierte Avant-Verlag hat sich jüngst daran gemacht, zwei weitere Serien von Sfar auf Deutsch zugänglich zu machen: „Die Katze des Rabbiners“ und „Professor Bell“ sind beides Reihen, die Sfar komplett alleine bestreitet.

„Die Katze des Rabbiners“ erzählt aus der Sicht der Titelgebenden, sprechenden(!) Katze vom Leben eines Rabbiners und seiner Tochter im Algerien der ersten Hälfte des 20.Jahrhunderts. Dort prallt französischer Kolonialismus auf den Islam auf eine kleine jüdische Gemeinde. Sfar, der selber einen jüdischen Hintergrund hat, nutzt die märchenhafte Erzählweise, um humorvoll philosophisch-theologische Fragestellungen aufzuwerfen, aber auch Kolonialismuskritik anklingen zu lassen. Die Katze, frech und arrogant, kommentiert das Geschehen sehr respektlos und übernimmt den Part des alles hinterfragenden Skeptikers. Wenn die Katze im ersten Band mit den Rabbinern diskutiert, warum sie als jüdische Katze ein Recht auf ihre Bar- Mizwa hat, lernt man nicht nur einiges über das Judentum, sondern befindet sich mitten in einem urkomischen Religionsstreit. Und wenn im zweiten Band Juden und Islamisten streiten, dann bietet auch das reichlich Stoff für humoristische Einlagen. Und vor allem: niemand muss dabei sterben. Eine leicht ironische Haltung des Autors zu religiösen Fragen schimmert hier durch. Die Bilder sind farbenfroh, aber äußerst unruhig, Farblich vergleichbar mit dem plakativen, knallbunten Donjon-Stil, ist der wilde Strich verhuscht und nervös, und die Konturen wirken ähnlich verzerrt wie bei dem von ihm gezeichneten Zweiteiler „Petrus Grumbart“. Das entspricht der umtriebigen Art der erzählenden Katze, der Detailreichtum der Zeichnungen hat darunter allerdings überhaupt nicht zu leiden: Sfar hat ganz offensichtlich Spaß an dem vielfältigen, orientalischen Szenario.

Das gilt in gleicher Weise für das britische Fin-de-Siècle-Ambiente bei „Professor Bell“. Die düstere Serie um den Lehrer von Sir Arthur Conan Doyle, der Pate für die Figur des Sherlock Holmes gestanden haben soll, zeigt den Professor etwas abgründiger und leicht depressiv und ist entsprechend in gedeckten Farben gehalten. Die Mischung aus Fien-de-Siècle, Kriminalfall und übersinnlichen Ereignissen erinnert nicht nur thematisch an Tardis „Adele“-Serie. Sfar hat wie jener offensichtlichen Spaß an überdrehtem, surrealem Humor und ist nie um eine haarsträubende Wendung verlegen: melancholische Geister, sprechende Geschwüre und lebende Tote sind da noch die kleineren Überraschungen. Das narrative Freigeistertum und die offensichtliche Freude an Splatter-Effekten bei „Professor Bell“ erinnert mal wieder an den „Donjon“, und man wundert sich wirklich, dass Sfar und seine Kollegen mit dem lockeren Umgang von Wahrscheinlichkeit und ihrem schnoddrig wirkenden, aber sicherlich arbeitsintensiven Zeichnungen beim Publikum ankommen und dafür auch noch, wie Sfar jüngst in Erlangen, ausgezeichnet werden. Es gibt eben nichts spannenderes, als die gelungene Überraschung auf der nächsten Heftseite…

(Die Katze des Rabbiners 1. Die Bar-Mizwa; 2. Malka, der Herr der Löwen. Je 48 Seiten, Farbe, Hardcover, Avant-Verlag, 14,95 € Professor Bell: 1. Der Mexikaner mit den zwei Köpfen. 46 Seiten, Farbe, Softcover, Avant-Verlag, 14,95 €)

Zuerst erschienen in Strapazin # 77, 12/04